El mar no interrumpe nada. Sigue su propia mecánica, sin más objeción que la que podría amontonarse en los ojos. En uno de mis libros preferidos* la evocación del mar funciona también como un reconocimiento tácito de un estado de cultura prominente, rico en esfuerzo y voluntad, tantas veces dibujado en los mapas. El mar ni siquiera exige esgrimir una certeza duradera, pues el oleaje lo impide, y lo advierte cuando en la costa, en las desembocaduras, el agua se arremolina hacia una dirección que, desde lo humano, podría mostrase aún más incomprensible. No es fácil adivinar esa imagen, pero sucumbimos a su caudal. Todo el mundo intenta llegar hasta el mar.



* Al aproximarse al Mediterráneo, elegimos ante todo un punto de partida: una costa o una escena, un puerto o un suceso, un periplo o un cuento. Luego, ya no importa tanto de dónde hayamos salido, cuenta más hasta dónde hemos llegado, qué hemos visto y cómo lo hemos visto. A veces, todos los mares parecen iguales, sobre todo cuando la travesía es larga. A veces, cada mar es diferente.

Fragmento inicial de Predrag Matvejevic, Breviario Mediterráneo, Anagrama, 1991 (ed. original 1987)


viernes, 23 de noviembre de 2007

cuando el diseño se hace canción (entrevista a mik baro)


Todo aquel que esté minímamente familiarizado con la historia del rock 'n' roll clásico verá que el prodigio de todas las versiones que se han prodigado hasta la fecha también está en su perpetuación a través del elemento estético. Ese recorrido alberga tal complejidad que sería imposible resumirlo en una frase; sin embargo, tomando el caso de un corte en el tiempo, un movimiento, se diría que la traducción de la psicodelia de los 60s a una imagen gráfica proporciona un ejemplo perfecto de cómo se construye un signo visual de enorme trascendencia para la conceptualización general del estilo, de tal forma que el grafismo habilita una referencia estética igual de importante que las parafernalias de la vestimenta u otros mecanismos de identificación para los auditorios. Mik Baro, diseñador instalado en valencia, aplica un sentido musical a su trabajo que difícilmente pasa desapercibido. Al seguir algunos momentos de su trayectoria, lo primero que llama la atención es su coherencia, su personal visón de todo el bagaje gráfico procedente del rock y sus variantes underground, de las subculturas musicales matizadas en sus posters con la convicción de que el detalle es un elemento que distingue la pieza.

Mik Baro utiliza ese registro, incluso algunos de sus estereotipos más visibles, para amoldarlo a una idea de diseño que hace compatible clasicismo y modernidad. Su trabajo para la promotora Lizard Music, el sello barcelonés Rock On y grupos de la entidad de Lagartija Nick expresa esa voluntad de aportar nuevas vías creativas a una modelo iconográfico que pudiera parecer agotado pero que en su propio trazo, en sus ilustraciones y tareas compositivas, adquiere una vitalidad gráfica particular, intrasferible, un dinamismo que promulga divertimento y sintonía. Más aún, por encima de cualquier otra consideración Mik Baro disfruta con lo que hace, y se nota en todos los soportes a los que se aproxima, posters, portadas de discos, flyers, logos, ilustración para libros, imprimiendo un estilo personal y maduro, como si en este momento estuviéramos escuchando una nueva canción de Bob Dylan y fuera impensable recrearla bajo otras versiones, pues el original se va descubriendo cuando al cambiar un nota de sitio, con otras voces, la canción ya no nos suena. Lo mismo podría decirse del quehacer gráfico de Mik Baro, su trabajo no permite más acabado que el que él impone.

Una considerable parte de su obra gráfica puede verse, con explicaciones del propio diseñador, en su blog Mik Baro.

Web oficial de Mik Baro.



ENTREVISTA

- ¿Quién es Mik Baro?

Yo vengo al mundo en León, hace casi treinta años, allí desarrollo la primera etapa de aprendizaje en la Escuela de Arte de dicha ciudad, también empiezo a hacer carteles y diseños para bandas y participo en fanzines de distinta índole. Vistas las perspectivas laborales uniendo a esto circunstancias personales me vengo a Valencia donde me licencio en Bellas Artes. Aquí llevo unos años, he trabajado en empresas de diseño, intentado montar la mía propia junto a socios (Pausse) y a día de hoy por libre, ilustrando, atendiendo encargos de sellos de música, webs... e involucrándome en cuantas iniciativas se me proponen y puedo permitirme.

- ¿Tienes manías a la hora de trabajar?

Depende que trabajo, cualquier hora es buena, aunque también es verdad que para moverse en la deriva creativa no hay nada como la noche, je je . Madrugar en exceso no es muy bueno…. aunque pensándolo bien esto es una apreciación personal quizás debido a que me pesa la nocturnidad, je je. Música siempre, en su defecto Radio3.

- ¿Cuales son tus herramientas de diseño preferidas?

El punto de partida es siempre un lápiz, rotulador, boli… sobre una libreta, folio… o cualquier superficie optima a tal fin. Ya delante de la pantalla el hardware y software que haga falta. Esto segundo como bien es sabido cambia y evoluciona con el tiempo, versiones, sistemas operativos, marcas…. mmm puedo quedarme también en el primer paso y prescindir del segundo

- ¿Qué diferencias encuentras entre trabajar en un estudio o como freelance?

Ahora mismo estoy como freelance y las principales ventajas de esta situación serian flexibilidad y poder de decisión… pero tampoco descarto volver a trabajar en un estudio o formar parte de un grupo creativo, el día a día del curro colectivo enseña mucho.

- Supongo que el presupuesto condiciona el diseño, la impresión final ¿Cómo sueles abordar las limitaciones presupuestarias?

Con grandes dosis de ilusión y optimismo, ja ja. Cada proyecto reúne características propias y hay que darle un tratamiento a medida. En ocasiones no me ha importado bajar el precio de la mano de obra cuando el cliente ha decido invertir y arriesgar en una impresión más cuidada.

- A veces da la sensación de que entraña más dificultad, en términos creativos, trabajar a dos tintas que sin las restricciones de una gama de color amplia. La calidad de tus posters o flyers a dos tintas no tienen nada que envidiar a otros más elaborados cromáticamente.

Limitar el uso de tintas puede obedecer a una cuestión presupuestaria o exclusivamente estética, en el segundo caso habiendo margen económico se autolimitan los recursos buscando un acabado mas punk, vintage, industrial…el reto es quizás con esta limitación conseguir resultados a la altura e incluso mas contundentes que en cuatricromía, mediante superposiciones, calados…. Muchas Gracias!

- Una parte de tu trabajo mantiene un hilo conductor con la iconografía clásica del rock. En ese sentido ¿cómo te planteas su uso? Y Por otro lado, Quizás el rock actual no alberga iconos tan pronunciados como los producidos en otras épocas, más bien parece que se forman en el diseño contemporáneo, más disperso y ecléctico.

Todo es ya un constante revival, y en esa revisitación creo que se van incorporado cosas y a la vez las fronteras estilísticas se van difuminando. La cultura popular es un tremendo cristo de referencias y reseñas.

La ortodoxia y la preservación de la pureza solo conducen al inmovilismo, hay que mezclar, pero considero que también es importante conocer las raíces y de donde vienen las cosas. En el tema estético es muy fácil quedarse en lo visual olvidando que son signos de identidad (no sé si toda la chavaleria que compra la línea que ha sacado Zara, Ramones, Who, Motorhead, saben lo que hay detrás), pero también reconozco que me produce cierta gracia la descontextualización y el hecho de que todo acabe convirtiéndose en mero objeto de consumo carente de sentido y significado. La estética por la estética.



- Has colaborado con revistas del ramo musical tan importantes como Ruta 66 o Popular 1. Una vez que te han asignado un espacio concreto en página, ¿qué margen de libertad tienes para realizar tu trabajo? ¿Podrías explicarnos el proceso de elaboración en publicaciones de este tipo, desde que te proponen un trabajo hasta que llega a la página?

Estos trabajos de publicidad han sido para sellos y promotoras independientes, nunca para compañías grandes y las publicaciones considero que tampoco pertenecen al mainstream. Así que desde que recibo la info, planteo ideas y propuestas hasta que el tema queda ejecutado y resuelto todo es tratado de manera muy cercana y hablado “de tú a tú”.

- ¿Cuales son tus diseñadores preferidos, o que con mayor insistencia han influido en tu trabajo?

Uff! que difícil, hoy en día la influencia viene constantemente dada por la visita a la interminable “ristra”de favoritos entre portafolios, blogs... Haciendo balance por encima: de los 90s David Carson, la publicidad de los magazines americanos de los 70s y en los 50s 60s reina Saul Bass.

- ¿Y podrías indicarnos tres o cuatro portadas de discos que te hayan impresionado por su diseño o composición?

Pues también está jodida la selección…, je je je, para cumplir/evadir con la pregunta voy a abrir la mano con una respuesta más amplia:

El Estudio Hipgnosis desde finales de los 60 con toda la serie de portadas para Pink Floyd y posteriormente Storm Thorgerson en solitario con curros hasta nuestros días para Audioslave o The Mars Volta.

Hay una portada de un disco de Captain Beefheart... la del fish-faced, pertenece a Cal Schenkel que hizo también unos cuantos trabajos para Zappa (la del disco que parodia al Sgt Pepper's de los Beatles , cuyo diseño es una también una parodia de la original correspondiente)

En cuanto a ilustración/tipografía la edad de Oro está en los 60, además muy unido a la cultura del cartel de rock. Robert Crumb para Cheap Thrills, Rick Griffin con Grateful Dead, Martin Sharp el Disraeli Gear de los Cream...

Me mola mucho Robert Williams… no recuerdo bien cual, pero a partir de una portada que vi en una tienda de discos (no la del Appetite for Destruction) y a partir de ahí he rebuscado algo en el “lowbrow”

The Dwarves cualquiera de sus albumes... me quedo con cualquiera, jes jes.

No se, podría seguir y no acabaríamos nunca…

- También Has colaborado en fanzines. Yo creo que, en cierto modo, la cultura del fanzine se ha trasladado a los centenares de publicaciones on-line, blogs, etc, que pueblan internet. Quizás exista una mayor posibilidad de acceder a materiales distintos que se están haciendo a nivel de magazines independientes en la red, pero quisiera preguntarte ¿qué crees que se ha perdido con la creciente desaparición del fanzine en soporte de papel?

Como dijo mi amigo el escritor Vicente Muñoz Álvarez ”Internet mato a la estrella del zine” como anteriormente "El vídeo mató a la estrella de la radio" que cantaban los Buggles. Los tiempos cambian y los medios de difusión con ellos, es inevitable. A nivel personal opino que se ha perdido la parte ritual de llegar a ese material, todo es mas inmediato y caótico, las lista de favoritos casa vez mas extensa, los lectores feed engordando mas y mas con sitios y bitácoras ofreciendo actualizaciones diarias... aun así desde un ideal romántico pienso que esto es un bache, que como el vinilo que hubo un tiempo en que parecía extinto el papel volverá a resurgir con mas fuerza y de forma mas selectiva.



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- Por otro lado, parte de tu trabajo tiene muy en cuenta esa cultura, la de las revistas underground y el fanzine.

En los 90 me crié en los últimos coletazos de esta “contracultura” mirando también para atrás, a los 70 y 80. A mi generación le ha tocado abandonar los esquemas clásicos y dar la bienvenida a la red de redes que no permite acomodo. Pero por encima de todo ha de estar el espíritu creativo y los contenidos siempre, esto es imperecedero. En casa de mis padres quedan colaboraciones en Vinalia Trippers, Material de Deshecho, Hielo Negro… hasta auto-edité una trilogía, un comic llamado “Bloody Hell” con un colega del pueblo, Jose Manuel García. 50 ejemplares fotocopiamos y grapamos para llevarme a un Saló del Comic, jajajaja…. a saber donde habrán acabao.

- En tu blog recoges una idea que creo que define a la perfección tu actitud ante el diseño gráfico: "Siempre he guardado las entradas de los conciertos a los que he asistido... no con el orden metódico del coleccionista sino más bien como acto fetichista, empujado por la necesidad de atrapar ese momento en un trozo de papel. Por eso quizás valoro en gran medida la gente que además del cartel, la puesta en escena, el merchandising... también cuidan el aspecto de los tickets (y no me refiero a la calidad del papel o numero de tintas...sino a reflejar la actitud, el mensaje, que no quede la cosa en un simple número tamponado sin mas señas), cuya función al fin y al cabo es meramente simbólica una vez has entregado el dinero (o la compras anticipada y entonces si desempaña una función informativa y de recordatorio) y pasas al local... pero en lo sentimental va mas allá: es un día a una hora con un artista". Y eso pareces aplicarlo a cualquier soporte, ya sean flyers, publicidad, portadas de discos, tickets de conciertos, carteles, etc. Tus diseños reflejan pasión por el detalle, por lo que haces. Ahondando en tales afirmaciones, ¿cuales son tus parámetros para hacer un buen diseño?

Como en el rock, cada show ha de ser distinto, genuino… je je je je. Esto no es una producción seriada, los detalles, los accidentes, los pequeños hallazgos son los que dan sentido y chispa a estos quehaceres. No hay encargo grande o pequeño, cada caso es personal e intransferible.

- Así, por ejemplo, el artwork para el CD de Lagartija nick, El shock de Leia, me parece magnifico ¿Podrías explicarnos como te planteas este trabajo y cómo es la comunicación con el grupo o la discográfica a la hora de plasmar su identidad gráfica?

Muchas gracias! La verdad que tanto un servidor como la banda quedamos contentos con el resultado. El hecho de tener contacto directo con un tío como Antonio Arias, uno de los letristas más brillantes y bicho raro en el panorama musical de nuestro país, supone ya un impulso para que la gráfica, mejor o peor, se escape un poco de lo convencional. Que te vayan llegando distintas fases de la grabación, arreglos y que paralelamente vayas desarrollando toda la parte visual que va a envolver esos sonidos. Además que no exclusivamente todo gira alrededor de su concepto del disco sino que hay espacio para aportar elementos de tu universo propio o accidentales que surgen en una conversación telefónica. Con la discográfica el contacto bastante escaso, el tema es que por experiencia cuanto más grandes son los sellos…

- ¿De qué trabajos te sientes más satisfecho?

Creo que será el siguiente que salga del horno, je je je. No conviene fustigarse, tiene uno que premiarse cuando los resultados son buenos pero siempre en la justa medida. El planteamiento más saludable es: misión cumplida y a por lo siguiente “work in progress”

- No sé si el diseño gráfico se ha convertido en algo impersonal. Aunque siempre hay excepciones, se hace difícil identificar a un diseñador por unos rasgos concretos. En ese sentido, se distancia mucho de otras disciplinas visuales (pintores, fotógrafos, etc.)

En el diseño grafico como en otras disciplinas considero que coexiste una parte de funcionalidad y de manutención con otra de discurso personal y de autor. Quizás lo impersonal del diseño viene dado porque está y estará siempre mas ceñido al frenético avance de la técnica y los medios de producción a los que se debe...también mas expuesto a las tendencias, las relecturas, el reciclaje... pero tampoco creo que el resto de disciplinas artísticas se libren de todo esto.

- ¿En qué estás trabajando ahora? ¿Y que proyectos tienes a medio o largo plazo?

Rematando para Lagartija Nick el diseño de reedición de su 2º LP: Inercia. Calendarios para Munster Records del año entrante, 25 aniversario de uno de los sellos mas longevos y prolíficos de nuestro país. Imagen y web para una tienda coruñesa de surf , Oceánica Surf Store, cultura surf, vaya!
Y preparando pieza como integrante de la 1ª Muestra gráfica de Iconographic Magazine que abrirá sus puertas a mediados de diciembre en Valencia. También saldrá en Valencia algo con el joven colectivo La Tejedora CCEC.

jueves, 22 de noviembre de 2007

iluminaciones de la contracultura


Incluso el movimiento Beat. Si la contracultura de los 60s y 70s arranca del siglo XIX los modales literarios de algunas personalidades que habían construido sus obras en los márgenes de los cenáculos culturales de la burguesía, la impostura literaria se instala en el siglo XX bajo el programa vanguardista y se transforma en género másivo, consumible, una vez que el movimiento Beat ya ha realizado su viaje iniciático, en los bares, en la carretera. Es el momento en que literatura y vida sólo serían entendibles bajo la forma de una experiencia de los límites. Quizás Jim Morrison no hubiera existido sin la lucidez adolescente de Arthur Rimbaud, pero ese libro generacional escrito por Allen Ginsberg, Howl, también podría interpretarse como el impacto de una sociedad esclerotizada ante sus propias paranoias culturales y una forma de conectar, literariamente, con la modernidad de Una temporada en el infierno, poema escrito por Rimbaud cuando la máxima Yo es otro, leída en varios textos y cartas del escritor francés, avanza la revolución del sujeto moderno y su disparidad ante el mundo de la vida.

Una vez más: Howl podría leerse como una versión extendida de algunos fragmentos de la obra de Rimbaud, como aquel en el que expresa que La acrópolis oficial colma los más colosales conceptos de la barbarie moderna, fragmento incluido en el poema Ciudades [Iluminaciones]. Esa misma manera de desentenderse de las buenas costumbres de la época que había precipitado a Rimbaud a silenciarse a edad temprana e iniciar un viaje sin retorno a otros lugares del mapa, renegando así de los habitáculos institucionales de la cultura europea, es lo que llevaría a algunos miembros de la primera generación del movimiento Beat a amoldar sus costumbres a la intemperie de una carretera. Jack Kerouac lo escribirá en su libro On the Road, mientras que esa herencia será recogida a finales de los 60 en la película Easy Ryder.



Al hilo de todo esto, leo en Ads of the World que The Beat Museum ha relanzado su publicidad con posters y otros materiales. En este punto sólo me cabe transcribir lo que ya se ha dicho:

Founded by Jerry Cimino in Monterey, California, the Beat Museum recently relocated to San Francisco's North Beach area — the same neighborhood the beatniks frequented during the 1950s.Grey SF's awareness effort kicked off with a series of posters, ads, and bus shelters throughout San Francisco. A Website and other marketing materials are currently in the works. The advertising campaign takes on the free-spirited attitude of the generation and aims to educate the masses on the continuing importance of the Beat Movement.

Posts relacionados:
Beatniks, el estereotipo
Criminalidad y juventud en el cine norteamericano de los 50

miércoles, 21 de noviembre de 2007

kapop y otros fanzines argentinos



Elefantes Rosas es un magnifico blog especializado en lo que en algún lugar he llamado cultura residual, aquella que se formaliza en los márgenes de la sociedad de consumo como un espacio alternativo a la cultura oficial, una vía subterránea a otras formas de entender las categorías estéticas y suministrar sus modelos de distribución. Su autor, Roberto Barreiro, editó entre 1998 y 2001, en la ciudad de Buenos Aires, un fanzine especializado en comic. Seis números y un concepto definido, estéticamente brillante, componen el bagaje editorial de kapop.

La idea tras Kapop era hacer un fanzine con calidad en diseño y contenido que no respondiera al típico concepto de fanzine = una cosa amateur sin estilo que mucha gente parece tener sobre el tema. Y tampoco caer en materiales experimentales que muchas veces terminan siendo una paja mental disfrazada de contextualización intelectual.

Otras revistas en la misma línea editorial se pueden encontrar [y descargar] en el blog Argenzines, centrado en la recuperación de fanzines argentinos. Ambos blogs participan de aquella parte de la blogosfera que, en mi opinión, proporciona un sentido activo ante la accesibilidad de archivos culturales de todo tipo y, en consecuencia, a la democratización de los canales de difusión, un trabajo de arqueología cultural que se halla disperso en otros muchos blogs dedicados altruistamente a facilitar materiales [música, cómic, revistas, videos, etc] que de otro modo serían inalcanzables a un auditorio más o menos masivo interesado, consumidor de cultura.

Kapop se puede descargar en:
Elefantes Rosas
Argenzines

lunes, 19 de noviembre de 2007

en cualquier fiesta (entrevista a fernando marquez el zurdo)

Hay canciones que hacen historia, pero la historia también consiste en ponerle una banda sonora a los hechos. Las canciones delimitan el aire de un tiempo, perfilan el tránsito de un momento a otro, fijan cercanías y leyendas, mitos y vanidades. Incluso, en ocasiones, cumplen la función de argamasa entre la colectividad y las ideas. Algunas de las canciones más significativas de finales de los 70 y principios de los 80 fueron escritas y cantadas por Fernando Márquez El Zurdo, miembro de grupos como Kaka de Luxe, Paraíso y La Mode, personaje clave para entender los cambios que se produjeron en el ámbito de la música pop en los años iniciáticos de la nueva ola y la denominada movida madrileña. Lo que sigue es una breve entrevista que Fernando Márquez ha tenido la amabilidad de conceder a Así se fundó Carnaby Street, donde se hace un repaso por algunos instantes y canciones.


La Mode

- Me interesa mucho esa etapa en que todo está por hacer, la época de La Liviandad del Imperdible, 1977. ¿Cómo surge la posibilidad de hacer el colectivo-Fanzine? ¿Y cuál es el radio de acción de vuestra actividad cultural en ese momento?

En realidad, La Liviandad supone un momento de transición entre las actividades de prensa marginal en que habíamos estado metidos varios de los componentes y el deseo de formar un grupo musical por parte de Alaska, Enrique Sierra y yo. El fanzine era un pretexto para contactar con más gente interesada en el punk, adornado con elementos contraculturales.

- El fanzine La liviandad del Imperdible se ha convertido en un objeto casi de culto del que muchos hablan y pocos han tenido la oportunidad visionar. ¿Cuales eran sus contenidos? ¿Cuáles sus influencias? ¿Y qué tipo de material incluiais entre sus páginas?

Era muy ecléctico, había material sobre música (que presagiaba el contenido de los futuros fanzines de Kaka de Luxe), un cuento mío medio ácrata (que Pepe Ribas ha recuperado, creo, en su último libro), una performance titulada Entrevista al hijo de Hitler, algo de humor gráfico... En realidad, era un cajón de sastre sin más intención que provocar, llamar la atención, un intento naif de terrorismo cultural.

- Suele atribuirse a Kaka de Luxe un papel esencial como grupo iniciático en una nueva forma de entender la música pop en España. Sin embargo, da la sensación de que ese papel se le concede a posteriori, años después, a través de la mediación de algunos cronistas musicales, cuando el grupo ya ha desaparecido. Creo que su principal cualidad, por decirlo así, fue disgregarse para dar forma a otros grupos. Quisiera saber cual es tu parecer al respecto. Y, por otro lado, ¿cual fue la actividad real de Kaka de Luxe en su corta existencia?

Existen dos grupos matriz en la Movida, Kaka de Luxe y Ejecutivos Agresivos. En ambos lo importante más que la propia obra es la herencia posterior (Paraíso, Alaska y los Pegamoides, Radio Futura en el caso de Kaka de Luxe; y Gabinete Caligari, Derribos Arias y Décima Víctima en el caso de Ejecutivos Agresivos).

Hicimos unos veinte conciertos, los más importantes (aparte del Villa de Madrid) ya sin Enrique (estaba en la mili) en la recta final del grupo (con Bernardo Bonezzi de guitarra solista): tocamos en un festival de grupos nuevaoleros en Casteldefells, también en la fiesta comunera de Villalar (justo detrás de Agapito Marazuela)... Grabamos en una tarde de marzo o abril todas las canciones que luego sacarían en el LP Las Canciones Malditas. Y nuestro público era muy reducido. No empieza a haber realmente convocatoria hasta la disolución y aparición de más gente. Cuando ya existen Paraíso, Alaska y los Pegamoides, Nacha Pop, Zombies, es cuando ya puede hablarse de un público que vaya más allá de una capillita de amiguetes.



- Paraiso fue otro de los grupos que, aún no teniendo una discografía extensa, ha perdurado como eje del cambio musical de finales de los 70 y principios de los 80. ¿Crees que su música influyó a otros grupos que estaban apareciendo o aún estaban por hacerse? ¿Qué recuerdo te queda de esa banda?

Influyó básicamente por sus letras jocosas que configuraban el 90 % del repertorio. Creo que sin Paraíso no se entiende la aparición de grupos como Ejecutivos Agresivos, Glutamato Ye Ye, incluso Derribos arias... Y ya no digamos Siniestro Total. Todos los grupos que iban de letras como de cachondeo creo que tuvieron como punto de partida Paraíso.

- ¿Cómo viviste el paso de un grupo como Paraíso, más primitivo en su sonido y anclado en influencias del rock de los 70, a un grupo como La Mode, cuyas melodías eran más elaboradas y ricas en sonoridad y estilo, con letras más complejas?

Fue un mero problema de compra de nuevo equipo. Las influencias que marcarían La Mode (Fripp con su League of Gentlemen y Flippertronics, la segunda etapa de Roxy Music, Ultravox! de Midge Ure...) ya estaban haciéndonos tilín en los últimos tiempos de Paraíso. Pero carecíamos de equipo para desarrollar aquello sin que sonase a chapuza. Esta transición quedó muy clara en el concierto póstumo de Paraíso en marzo del 81 (los tres que formaríamos La Mode + el batería) donde se adelantan cosas que haríamos después, con un mayor papel creativo de Antonio Zancajo, letras más estilizadas, abandono del rollo jocoso...

- El maxi Enfermera de noche es una de las grandes obras del periodo, una obra maestra a la altura del sigle La estatua del jardín botánico de Radio futura" o el Maxi de Aviador Dro Programa en espiral. Los tres publicados en 1982.

A mí Enfermera de noche se me ha quedado pequeña como canción. Creo que la otra cara ha envejecido mejor y, desde luego, incluye mi canción más importante tras el Para ti, Aquella canción de Roxy, con una melodía mucho más compleja y una letra glamourosa impensable en la etapa anterior de Paraíso.



- Tú libro Música Moderna es uno de los primeros intentos, si no el primero, que se propone poner en orden el entorno de la "nueva ola", tu propio entorno musical ¿Cual fue tu intención al escribir ese libro? ¿Había una voluntad de aglutinar un movimiento musical bajo unos patrones determinados?

El libro fue un encargo de Juan Luis Recio (Ed. La Banda de Moebius, que ya me había publicado un libro de cuentos, Todos los chicos y chicas) y lo elaboramos entre varios: Ramón Recio (futuro letrista de Glutamato) me traía información sobre grupos que no me interesaba entrevistar de primera mano (Nacha Pop, Los Secretos...), y también participó Poch con una semblanza sobre los brotes punkies en el País Vasco. Yo me volqué especialmente en los grupos herederos de Kaka de Luxe (aparte de en la propia Kaka), luego venían grupos más convencionales (los entrevistados por Ramón), el fenómeno Tecno (con Aviadro Dro a la cabeza) al que también dediqué bastante atención, bandas que se apuntaban al carro con mayor o menor oportunismo (Greta, Sissi, Electroshock...) y apuntes de lo que pasaba fuera de Madrid.

- En ese momento, entre 1980-1981, ¿cómo era tu relación con el resto de miembros de kaka de Luxe? Y del mismo modo, ¿con qué grupos mantenías mayores afinidades tanto musicales como personales?

Fluctuaba. Con Carlos Berlanga yo había fundado Paraíso tomando como referencia a los Modern Lovers, pero cuando Carlos se sintió desbordado por el nivel muy superior de los nuevos músicos (tuvo un cruce con Antonio en el primer ensayo), pretendió que los echase y coger gente peor a la que pudiese controlar. Al negarme yo, se fue bastante dolido aunque enseguida entró en Pegamoides.

Después, hubo reencuentros y colaboraciones: Alaska hizo coros en grabaciones de Paraíso y en algún directo; con Carlos y Nacho formé un grupo efímero llamado Piernas Ortopédicas donde se sacaron las primeras versiones de Tokyo y Rendivu en el hipóromo (grabada más tarde por Radio Futura como Yvonne). También compartimos local por un tiempo. En ese momento el grupo que más me obsesionaba era Radio Futura. En el repertorio de Pop Decó (cuya primera formación se desarrolla entre otoño del 80 y comienzos del 81) la influencia del LP Música Moderna es muy fuerte. Cuando creamos La Mode hubo un grupo, UA, que nos parecía lo más y hoy nadie lo recuerda y nosotros mismos no entendíamos, pasado el tiempo, por qué nos colgamos tanto con él. También seguía con atención al Aviador Dro (antes de la escisión de Esplendor Geométrico), a Parálisis Permanente, a Décima Víctima, a WAQ...

- Creo que los primeros años 80 todavía no han sido aclarados en su justa medida, históricamente, sociológicamente. Las crónicas que se han ido escribiendo sobre la movida madrileña a veces no parecen beneficiarla, otras se han escrito casi como una negación de los hechos, en otras se aprecia un tono excesivamente nostálgico, cimentado por el recuerdo. Parece que la movida madrileña, durante mucho tiempo, ha sido capitalizada por algunos de sus protagonistas, tanto para ensalzarla como para negarla ¿No crees que ya ha pasado suficiente tiempo como para que los historiadores hagan su trabajo?

El libro de Salvador Domínguez [*Fernando se refiere al libro Los hijos del rock. Los grupos hispanos 1975-1989. Se trata de una completa guía sobre los diferentes movimientos musicales surgidos desde la Transición Democrática] me parece demostrar que ese tiempo ya ha llegado. Es un señor ajeno (incluso antípoda) a la Movida que se plantea con bastante rigor informar de manera exhaustiva sobre, entre otras cosas, esa etapa del pop español. Creo que es el intento historiográfico más serio hasta la fecha.


La Mode | Portada del single En cualquier fiesta, 1984

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- ¿Cómo definirías ya no sólo el concepto de movida madrileña, sino el del cambio cultural que se produjo desde finales de los 70 a mediados de los años 80? ¿Bajo qué hechos sociales o musicales lo demarcarías? Y sobre todo ¿cuales crees que son las diferencias respecto a la cultura juvenil de los años 70?

Reacción musical ante la esclerosis local del sinfonismo y el jazz-rock y la inflación panfletaria de cantautores. A nivel político, es posible por el marco de libertad que da el período de gobierno de UCD. Nunca en España ha habido tanto espacio para protagonismos de muy diversa índole: no concibo que con la manipulación y el dirigismo que se inicia con la llegada del PSOE, la consolidación del grupo PRISA, el shock del 23F, la desaparición del centro comandado por Suárez por el centro derecha de AP/PP, hubiese podido nacer la Movida en pleno auge de la gente guapa y la sociedad del pelotazo. Tras el neohippismo de la contracultura, la psicodelia tardía, la música progresiva, etc, la Movida enlaza primero con el mito de la Factory warholiana, Lou Reed, Kim Fowley, y el glam rock inglés. Se pasa de Wight y Woodstock a reivindicarse el ambiente descrito en Cowboy de Media Noche y Velvet Goldmine.

- Simbolicamente, la movida madrileña podría abrirse y cerrarse con dos canciones tuyas, ambas magníficas. Para ti es una canción ejemplar en cuanto a su concepción no sólo musical, parece que proyecta un sentido generacional. Por otro lado, ya en 1984, publicas En cualquier fiesta. Esta canción parece no sólo una despedida personal, sino también el cierre de una época. ¿Podrias hablarnos de estas dos canciones en relación al momento en que fueron escritas?

Para tí la escribí a partir de recuerdos personales de alguien a quien había conocido en verano del 74, tratando de encajar en el esquema a lo Jonathan Richman que quería Carlos Berlanga para el proyecto Paraíso. En cualquier fiesta toma como detonante una canción del Manifiesto de Roxy Music. Concretamente, la que cierra la cara a de ese álbum. También le marca mi primera escucha de Avalon (la canción) en directo en el Moscardó. Pertenece a la serie de canciones dedicadas a Alaska (como Carolina, Aquella canción...): todas bastante melancólicas.

- No sé si hay preguntas espinosas, Fernando, pero quisiera referirme por un momento a tu concepción política en esos años. ¿No crees que en cierto sentido tu valoración sobre el entorno político te perjudicó a nivel musical?

En realidad el palo me lo dieron a partir del 86. En la primera mitad de la década desarrollé una gran actividad (música, libros, prensa, radio) sin ocultar en ningún momento mis simpatías por Falange o por AP. El que luego fuesen a por mí de la manera en que lo hicieron define mejor a mis perseguidores y sus oscuras razones que a una lógica de boicot que debería haberse producido mucho antes, salvo, ya digo, que en el 86 hubiese motivos ocultos y bastante sucios para, de pronto, vetarme como lo hicieron.

- Para finalizar, quisiera decir que tu contribución al desarrollo de la música pop en España ha sido esencial. Ahí estan tus canciones para certificarlo. ¿De qué canciones o discos te sientes más satisfecho?

De aquella época, Aquella canción de Roxy, La cólera, En cualquier fiesta, Panorama, Cita en Hawaii, El único juego en la ciudad, El eterno femenino...

domingo, 11 de noviembre de 2007

interferencias, el tiempo



No: yo no sé lo que es el arte, pero a veces tan sólo se trata de un arrebato esculpido por el tiempo, o sea, el azar imprimido sobre la materia. Lo intuyo por algunos cuadros que Miquel Barceló dejó a la intemperie para que los insectos, en un acto casi altruista, hicieran su trabajo sobre la obra al recabar con sus dientes aquellas partes que bien pudieran parecerles más sustanciosas. El pintor, liberado de las trascendencias del resultado final, dedica sus horas a contemplar cómo el arte se rehace al destruirse.

Casi habría que escribir un tratado para desentrañar lo que el tiempo ha supuesto para la historia del arte. Quizás el museo, como institución, contemple la función primaria de resguardar las obras de las inclemencias del aire, la quimica o poluciones más tóxicas. Conservar y restaurar, despejar el polvo de la superficie del cuadro, pues la grieta ya no la contemplamos como perfección o estado de belleza.

Esto casi podría rebatirse por aquellas fotografías de John Deakin encontradas en el estudio londinense de Francis Bacon, que yo visité en su reconstrucción al milímetro en la ciudad de Dublin. La química de aquellas fotografías seguía activa, imponiendo su carcoma de fluidos sobre el papel. Y lo veo en estas variantes que ahora contemplo bajo el agente provocador de otras interferencias en la era de la imagen química.

Puede ser. A lo mejor el ideal de belleza no consiste en trasladar la perfección a un sistema estético, sino en dejarse influir por el tiempo para ser de nuevo materia viva.

jueves, 8 de noviembre de 2007

ouka lele, el color de una epoca


Rappelle toi Barbara, 1987 | Hombre con ventiladores, 1979 [de la serie Peluquería] | Herida como la niebla por el sol, 1987 | Autorretrato con agua, 1980

No es casual que tres de los fotógrafos que con mayor creatividad recogieron las transformaciones estético culturales de principios de los años 80 hayan sido reconocidos, en los últimos tiempos, con el Premio Nacional de Fotografía. El primero en obtenerlo es Alberto García-Alix, en 1999, por una obra que se revela como el reverso poético de su propio entorno vital, lleno de calles, personajes marginales, motos y retratos que conjugan belleza y drama. En 2005 y 2006 lo obtienen Ouka Lele y Pablo Pérez Mínguez, respectivamente. Mientras Pérez Mínguez centra sus intenciones fotográficas en describir el emergente ambiente de la movida madrileña a través de toda una galería de personajes, Ouka Lele acierta a fijar, junto a otros artistas, la identidad iconográfica de la época. En los tres casos el premio podría traducirse en el reconocimiento de un momento histórico donde los cambios sociales formulan al mismo tiempo un cambio en los paradigmas estéticos y culturales. De esto hemos dado cuenta en el especial sobre la movida madrileña ya realizado hace algunos meses, insistiendo más en los aspectos gráficos que en los musicales.

No se trataba de privilegiar un lado sobre otro. En él expresamos la idea de que la música de la movida madrileña fue en parte reconocible porque se abasteció de un elemento gráfico [moda, pintura, diseño, fotografía, cómic, etc] de enorme potencia visual. Nunca como en ese momento la música había adquirido tanta importancia en el conglomerado general de los cambios estéticos, pero a través de otras disciplinas artísticas la música pop encontró también una manera de formalizar sus cambios respecto a décadas anteriores.

Evidentemente, la música funcionó a la vez como un factor de exteriorización de los cambios. Su proyección social fue decisiva, sin embargo en la base de esa exteriorización estaba un cambio de paradigma más profundo que afectó a todas las artes y fue iniciada mucho antes por la pintura y el cómic que por la música. La fotografía encontraría también su lugar ante ese cambio generalizado, pero si se ha de citar a García-Alix, Pérez Minguez y Ouka Lele ¿Para cuando el Premio Nacional de Fotografía a Miguel Trillo, un fotógrafo de una calidad extraordinaria que documentó con gran detalle el ambiente musical de la época y la eclosión de la tribus urbanas, sus estéticas y actitudes sociales? [Volveremos a esta pregunta en otro post]


Limones, 1979 [de la serie Peluquería] | Hoy viene mi psiquiatra, 1980

Al situarnos ante este periodo específico, la fotografía de tales autores confirma su capacidad de reacción ante los hechos mismos y lo contemporáneo, reacción que aún no siendo consciente les permitió colocarse en el centro de la época. Quizá el caso de Ouka Lele sea el que más se desmarca de todo lo que se había visualizado hasta el momento, conectando con corrientes estéticas próximas tanto al surrealismo y al color de Salvador Dalí como a las imágenes evocadoras de Man Ray. Esa persistencia en la imagen surreal, reflexiva en la medida en que la puesta en escena es planificada hasta el más mínimo detalle, ya la encontramos en sus retratos recogidos en la serie Peluquería, de 1979, donde ejercita una clara voluntad por adentrarse en el rostro bajo una visión ficticia. Esa misma ficción es la que la llevaría a preparar otras fotografías de enorme contundencia centradas en el movimiento, y ya a partir de 1985-1986 a elaborar complejas escenas colectivas, forma que desembocará en su obra de 1987 Rappelle toi Barbara, realizada como un hapenning junto a la estatua de La Cibeles, y podría tener su origen en las fotografías que elaboró para la diseñadora Sybilla y la institución Moda de España, en 1986.

No obstante, también será el color lo que la enmarque bajo otros registros estéticos al utilizar la acuarela como herramienta definitoria de la imagen. En una entrevista realizada en 2003 por Javier Cuevas, del periódico La Voz de Asturias, reseñaba del siguiente modo su proceso creativo:

Es una mezcla de muchas cosas. Lo primero de todo es la idea. Utilizo muchas imágenes literarias y cinematográficas. En ocasiones hasta se basa en algo que he escrito. Alguna vez hago un boceto previo, aunque no siempre. Después paso a montar el escenario y hago la foto. En un principio trabajaba en 35 milímetros, pero no tardé en pasarme a la fotografía de placas. Tras revelar tengo que elegir la foto, que es lo que más me cuesta de todo el proceso. Amplío la que elijo y pinto con acuarela. Aplicar la pintura lleva mucho tiempo, porque puedo llegar a tener fotos de dos metros en las que todo lo que es blanco y negro lo vuelvo a color. Hay fotos que me pueden llevar un año.


Máquinas de afeitar, 1979 | Tortugas, 1979 [ambas pertenecientes a la serie Peluquería]

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Ese proceso de coloración ya lo había utilizado en su etapa barcelonesa, en portadas para la revista Star, 1979, momento en que hace su primera exposición individual y da a conocer la serie Peluquería en la galería Spectrum. A su regreso a Madrid, ya en 1980, su trabajo empieza a ser publicitado en Galerías como Redor o Moriarty y revistas como Dezine o La Luna de Madrid, donde colaborará de manera asidua hasta al menos 1985. Ouka Lele se sitúa así en el mismo interior de los procesos estéticos que se estaban produciendo desde mediados de los 70 y culminan a mediados de los años 80. Por eso su fotografía podría contextualizarse ante el desarrollo de la nueva figuración píctórica, pudiendo además analizarse paralelamente a la obra de sus compañeros de viaje Ceesepe y El Hortelano. Los tres ejemplifican una parte capital de la iconografía de los años 80.


El sueño de una noche de verano, 1986

martes, 6 de noviembre de 2007

jazz & covers (I)



Diseño - Javier M. Reguera

De la serie Jazz & Covers, perteneciente a un proyecto gráfico centrado en la reinterpretación de algunos discos emblemáticos de la historia del jazz.

domingo, 4 de noviembre de 2007

el hortelano, mecanica celeste


Extracto de Bajo la bóveda cósmica, Star, nº 19, 1976

La obra gráfica que José Alfonso Morera "El Hortelano" empieza a publicar en las páginas de la revista Star sorprende por dos razones. Si por un lado, no se puede hablar de sus cómics de los 70 en función de la tradición estético-contracultural que la propia revista había potenciado a través de dibujantes como Nazario, Francis Masse, Gallardo o Mariscal [y autores norteamericanos como Shelton y Crumb], por otro, las correlaciones estilísticas entre ese periodo y la pintura que desarrollaría a partir de los primeros años 80 se muestran confusas. Se trata de un cómic alegórico que se desmarca de las corrientes del tebeo underground de la época tanto por su estilo como por la forma de abordar el relato, con una clara evocación de la ciencia ficción, por decirlo así, trascendental, pero también de los frescos oníricos de El Bosco, aspecto este último que tratará de manera aún más explícita en la obra Las cuatro estaciones [1978], formada por cuatro cuadros que escenifican un vagón de metro poblado por autómatas y que simbolizan las estaciones del año. Aunque sigue publicando en Star, con portadas memorables y obras que continúan esa trayectoria bosquiana en dibujos como Babel Surpeuplée [1978], la obra de El hortelano inicia un proceso de alejamiento respecto al trazo de sus primeros trabajos, orientándose hacia la pintura.

La cuestión podría abordarse de otro modo, por ejemplo, al señalar que esa primera etapa no sería más que el periplo de transición hacia una práctica del dibujo y la ilustración abocada a realizarse plenamente en la pintura. En ese sentido, el nexo que unifica ambos periodos, incluso su obra realizada a finales de los años 90 con una serie tan bellamente orquestada como Osa mayor, sería la exposición continua de una mecánica para el cielo y la naturaleza celeste, cuya superficie predomina en muchos cuadros y habría de alzarse como un tema que, visto su recorrido pictórico, se encuentra ya en sus inicios underground. El cielo se erige como la báscula prominente de la naturaleza, tanto en sus dibujos de la revista Star y sus cuadros de los años 80 escenificados en ambientes urbanos, como en su obra posterior, irremediablemente delimitada por el tema de la naturaleza y sus detalles mínimos.

Lo que se muestra es que la lógica interna de la obra de El hortelano evoluciona en la manera de plasmar la naturaleza. En los años 70, esa temática queda confrontada con el proceso de civilización y su poder autodestructivo. En los 80 la naturaleza se refleja en aquellos personajes urbanos que anhelan el cielo y su melancólica presencia: la ciudad es un escenario incompleto sin ese firmamento. En los años 90, la naturaleza aflora en la pintura de El Hortelano como un estallido que habría de complir el deseo de regresar a la contemplación de los detalles y fragmentos que la componen.



Extractos de Bufones, Star, nº 25, 1977 | Dibujo perteneciente a la serie Europa requiem, 1977

LINKS DE EL HORTELANO:
El Hortelano
El Hortelano en MySpace
Vegap
Banco de imágenes de El Hortelano en Ciudad de la Pintura
elhortelano@gmail.com

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La obra de El Hortelano es rica en detalles, y a lo largo de los años ha ido profundizando en muchos de los temas que ya había plasmado en su primera época: la naturaleza y el cosmos, la relación del hombre como un entorno que se torna místico y forma parte de su propia esencia. Lo que sigue es una breve selección de los recorridos pictóricos que El Hortelano ha ido atravesando en los últimos años.


Osa Mayor / Dubhe (serie «Osa Mayor»), 1998-1999, óleo sobre lienzo, 200 x 200 cm, colección del artista


Osa Mayor / Phecda (serie «Osa Mayor»), 2003-2004, óleo sobre lienzo, 200 x 200 cm, colección del artista

jueves, 1 de noviembre de 2007

bikini





The Staggers > Be my queen | LP. Teenage Trash Insanity, 2006
The Litter > Action Woman, 1967
The Bomboras > She Kills Me | LP. Organ Grinder, 1997
James Taylor Quartet > Be My Girl | LP. Espionage (Compilación), 2001
The Tunas > Girl, you turn me on | LP. Au gogo, 2006
Legendary Invisible Men > Spooks Night Out | LP. Halloween Hootenanny (Compilación) 1998
The Barracudas > Somebody | LP. Drop out, 1981
Man or Astro-Man > Television Fission | LP. Experiment Zero, 1996
The Neptunas > Lou Surfer's Woody | LP. Scratch 'n' Surf, 1996
The Bambi Molesters > Last Ride | LP. In Sonic Bullets, 2001
The Hormonauts > That Man In Your Bed | LP. Hormone Hop, 2002
Link Wray > Rumble, 1958

 
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