El mar no interrumpe nada. Sigue su propia mecánica, sin más objeción que la que podría amontonarse en los ojos. En uno de mis libros preferidos* la evocación del mar funciona también como un reconocimiento tácito de un estado de cultura prominente, rico en esfuerzo y voluntad, tantas veces dibujado en los mapas. El mar ni siquiera exige esgrimir una certeza duradera, pues el oleaje lo impide, y lo advierte cuando en la costa, en las desembocaduras, el agua se arremolina hacia una dirección que, desde lo humano, podría mostrase aún más incomprensible. No es fácil adivinar esa imagen, pero sucumbimos a su caudal. Todo el mundo intenta llegar hasta el mar.



* Al aproximarse al Mediterráneo, elegimos ante todo un punto de partida: una costa o una escena, un puerto o un suceso, un periplo o un cuento. Luego, ya no importa tanto de dónde hayamos salido, cuenta más hasta dónde hemos llegado, qué hemos visto y cómo lo hemos visto. A veces, todos los mares parecen iguales, sobre todo cuando la travesía es larga. A veces, cada mar es diferente.

Fragmento inicial de Predrag Matvejevic, Breviario Mediterráneo, Anagrama, 1991 (ed. original 1987)


lunes, 30 de abril de 2012

esquemas sobre difusion de tendencias

El mercado mundo es transformación perpetua. Ya no existe un único escenario homogéneo, compacto, capaz de aglutinar todo el movimiento psicológico, emocional y económico de los consumidores. Hay escenarios. La investigación de mercados y sus correlatos más cercanos (sociología del consumo, tendencias, branding, coolhunting) intentan expresarlo desde un punto de vista cada vez más amplio. Sin embargo, en muchas ocasiones seguimos anclados a una perspectiva excesivamente mecanicista, ortodoxa, una aproximación a los acontecimientos de mercado que ya no corresponde con la vivencia del nuevo paradigma. En el contexto de la empresa, ese paradigma se traduce fundamentalmente en un desplazamiento del control que culmina en el consumidor y en la necesidad de experimentar estrategias de comunicación inéditas. El consumidor (usuarios y clientes) se muestra bajo el influjo psicológico de un camaleón: no dudará en mudar de piel ante las mutaciones más o menos extremas de su entorno.

Los estudios de tendencias añaden conocimiento práctico, aplicable a la relación que las marcas establecen con esos escenarios en mutación continúa. Analizan y explican la reordenación de los mercados desde la perspectiva de las pautas emergentes de los estilos de vida, patrones de consumo y factores vinculantes entre el consumo, la innovación y los diferentes agentes sociales. Demarcan la afluencia potencial de tramas significativas en cuatro ámbitos generales: 1) Estilos de vida. 2) Hábitos de consumo. 3) Escenarios, nichos de mercado y targets. 4) Cultura innovativa.




Esquemas: Javier M. Reguera. Pinchar en las imagenes para ampliarlas.

El siguiente modelo es una posible versión. Hay otras. La diseminación de tendencias puede darse de modos muy distintos, teniendo en cuenta si se originan en el propio espacio social (ciudad, periferias, grupos sociales, artes, etc) o centros corporativos (industrias, marketing, publicidad, marcas, etc)

Las tendencias se abastecen de signos e indicios emergentes localizados en el discurso social del consumidor y en aquellos escenarios transformativos con capacidad de absorber y objetivar ese registro en una trama coherente. La comprensión de ese entramado y su secuencia de difusión ha de promover, como fin último, la generación de Insights, ofreciendo asimismo posibilidades creativas y operativas en relación a los constructos de marca e innovación: imagen y branding, comunicación de marketing, posicionamiento, visión estratégica, etc.

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sábado, 28 de abril de 2012

el rrollo, descripción ontológica de una generación



Dos libros (Jesús Ordovás 1977 y Diego A. Manrique 1977) que fijan, desde diferentes puntos de vista, la fenomenología de El Rrollo en la España de los 70, atendiendo a las formas contraculturales que habían ido apareciendo desde finales de los años 60 hasta la eclosión del comic underground barcelonés representado por los dibujantes de El Rrollo (Nazario, Mariscal, Miguel y Josep Farriol, Antonio Pamies, Roger, etc) y revistas como Star, Ozono y Vibraciones, y se iría propagando a través de la música y la incorporación de las bifurcaciones subculturales del punk y el rock suburbial (Burning, etc). Recurrir a la socialidad proporciona una expresión de visibilidad que habría de conformar una salida al desencanto político de la Transición Democrática. Esto quiere decir que la fenomenología de El Rrollo se construye a partir de las transformaciones de una parte de la juventud altamente sensible al cambio sociopolítico de la Transición y su deriva ideológica.

La droga como fuente de hedonismo y bálsamo sociológico, el distanciamiento de la política, la reclusión vital en el universo del rock, difunden en el espacio urbano nuevas tipologías juveniles: el drogata, el pasota y el macarra se enmarcan en la disyuntiva de un límite que no había sido explorado con anterioridad: la marginalidad como elemento contracultural. De tal forma que la definición de El Rrollo, tal como se procesa en la segunda mitad de los años 70, ofrece una escapatoria a las convenciones de una sociedad que empezaba a aclarar su modelo social de una manera poco satisfactoria para una parte de la población. Xaime Noguerol, poeta que habría de ser recuperado y recolocado a una altura elevada en las poéticas transicionales, escribe dos libros sintomáticos desde una vertiente irracionalista-punk. Irrevocablemente inadaptados: crónica de una generación crucificada (1978) muestra la deriva de una generación que había vivido los coletazos del franquismo y encuentra, llegados a la escena predemocrática, el derumbe de las utopías y las fisuras de los modelos utópicos de convivencia.

infinitamente extranjeros
irrevocablemente inadaptados
se perdieron por los anillos brumosos de sus mentes

mi generación tiene calcinados los ojos de tanto gemir

le empujaron una alambrada por los párpados
y alguien introdujo horizontes postizos

mi generación anda dando bandazos
dando bandazos
con los ojos de no entender

y Bob Dylan tiene un erizo en la garganta



Las referencias a Allen Ginsberg y su poema Aullido rezuman en los versos de Noguerol como un manifiesto que no necesita ser contrastado más que por el desconcierto de una quimera incumplida. En su siguiente libro, Extraños en el escaparate (1980), Noguerol investiga los prolegómenos de una década que acaba de iniciarse, exhumando el repertorio-collage de un futurible aún más extraño. El libro acude a la cita musical (Burning, Lou Reed, Radio Futura, Patti Smith, etc), al lenguaje periférico y la jerga suburbana, a la expresividad difusa de la emergente Nueva Ola, para abastecer con nuevos mobiliarios el entramado ideológico de la generación siguiente a partir de los vestigios de la generación de los 70. En el centro de esa narratividad entre dos décadas, los estragos de la aguja y la drogadicción como una herencia irreversible que ha de ser transmitida con toda su crudeza. Noguerol recoge así un relato sobrecogedor, el fragmento de una carta de una chica junkie aparecida en (la revista) Sal Común:

Muero como mata esta sociedad, sometiéndome completamente, perdiendo mi última batalla. Quizás mi tentativa sea un último intenti desesperado de rebelión, todavía más terrible porque muero de los rechazos de esta sociedad. Estoy cansada, muy cansada, pero como la esperanza fue lo último en el vaso de Pandora, espero por esta inútil carta que mi muerte y la de tantos otros os sirva para comprender: daros cuenta que nos estamos precipitando en el caos más total, es inútil chillar, llenarse la boca de palabras sin sentido. Nos estamos destruyendo, así como yo me destruyo, como nos destruimos nosotros, hijos renegados de esta sociedad. Pensad también vosotros un instante antes de seguir aturdiéndome con vuestras infinitas palabras y dejadme tranquila en el calor bueno de la heroína.

El discurso sociológico de El Rrollo compone asi un relato de filosofía negativa (en el sentido dado por las vanguardias y otros movimientos culturales limítrofes) que parte de una comunicación contestataria abierta a nuevas formas de expresividad (música, comix, estilos vestimentarios, subcultura, la droga como fuente de utopismo), pero en su reverso se produce una dislocación apenas calculada que tendría consecuencias para toda una generación, aquella que vivencia en primera persona los resultados aún silenciados (ocultos) de la Transición Democrática en España.

viernes, 27 de abril de 2012

entrevista a javier m. reguera en simbyosi



Simbyosi, plataforma dedicada a la cultura colaborativa y a la realización de proyectos culturales, ha publicado la entrevista que me hicieron hace unos días.

¿Cómo definirías tu blog Así se fundó Carnaby Street?

Un laboratorio, un mundo portátil. Sobre todo, un intento de dar expresión a un universo que ya no existe, pero que proporciona pistas sobre el presente. Quizá sobre el futuro. No está tan centrado en la novedad como en una manera de rastrear el pasado para darle algo de sentido al presente. Vivimos bajo la tiranía de la novedad perpetua, y ese flujo de información tan descomunal se desinfla en muchas ocasiones por la incapacidad de asimilar tal cantidad de inputs.

Desde luego no es un blog masivo, ni pretende serlo. Creo que está posicionado en un pequeño nicho, y yo me siento cómodo ahí. Tampoco negaré que me gustaría que fuera seguido por mucha más gente, pero eso ya no depende de mí. Me interesan más los espacios con matices, que es a fin de cuentas lo que construye la identidad.

Creo que es un blog que se justifica por 10 o 15 frases realmente buenas. El resto es una apostilla a pie de página. También creo que la gente que lo sigue lo aprecia así, o eso me gustaría pesar. Este puede ser equivocado, pero es que el mundo también está construido a partir de la equivocación. El lector, la audiencia, también aprecia eso.


Seguir leyendo la entrevista en Simbyosi

jueves, 26 de abril de 2012

europa requiem, una fabula contemporanea ilustrada por el hortelano (I)

Así se fundó Carnaby Street podría navegarse a través de algunas obras de El Hortelano. Navegar por su interior como él ha transitado las profundidades de la pintura hasta convertirse (desde hace ya muchos años) en un artista con un universo propio. Nunca mejor dicho lo de universo, porque su obra siempre ha supuesto una fuente temática, filosófica, espiritual. El universo y la naturaleza recomponiéndose ante la trama que los vincula al ser humano. Curiosamente, esa trama siempre ha estado presente en su obra, incluso cuando iniciaba su carrera en la ilustración y el cómic underground (comic, término que no se ajusta con precisión a su proceder estético, a sus intenciones) a mediados de los años 70. En 1978 publicaba uno de los albums más impresionantes y bestiales que ha dado el cómic español, Europa Requiem. Sin embargo, algunas de las historias contenidas en él habían sido expuestas un año antes en la revista Star. Traigo a colación un ejemplo de su narración visual, publicada en primera instancia en Star No.27, 1977, donde un lugar indeterminado llamado Europa se convierte en una distopía en blanco y negro.







miércoles, 25 de abril de 2012

ultimo grito 1982



Ultimo grito, un fanzine editado en Barcelona en 1982. Supone otra derivación del fanzine, desmarcada de la estética clásica popularizada por el punk (basada en el collage y recuadros de texto e imagen recortados y colocados de manera irregular en la página). Formato en tamaño cuartilla (folio doblado). Se trata de un fanzine más ecléctico y conciso, que intenta abarcar diferentes temáticas, más allá de lo estrictamente musical.

Ultimo grito No.2 1982 (Barcelona)

martes, 24 de abril de 2012

editorial del futuro metodo 1984 (II)



Hace algún tiempo aportamos una muestra de este fanzine valenciano, Editorial del futuro método No.8, y en él ya se podía advertir la capacidad del fanzine para contrarrestar ciertas deficiencias de la prensa musical plenamente instalada en el mercado.

Para ser precisos, se trata más bien de una cuestión de enfoque. Aquellos fanzines que iban a tomarse en serio su tarea (divulgar la minoría, representar espacios colaterales del mercado musical) responden a una función periodística espontánea, pero también abierta a un sector emergente y menos conocido en el contexto de reciclaje e innovación del pop de principios de los años 80. Las publicaciones mejor posicionadas (por distribución, medios y voluntad de llegar a una masa crítica más amplia de consumidores de música) estaban cumpliendo un papel importante, aún cuando el foco de sus temas estaba organizado casi siempre a través de la industria musical.

Evidentemente, el fanzine y la prensa musical más convencional se regían por códigos linguisticos, estéticos e ideológicos distintos. Editorial del futuro método rehuía los concencionalismos del fanzine-fotocopia para ubicarse en un espacio intermedio entre lo profesional y lo casual, donde la estética y la maquetación giraban en torno a los contenidos. En este número (asi como en la politica editorial propia de EFM) se aprecia la necesidad de no circunscribirse a un estilo musical o a un estilo subcultural, sino que zigzaguea por los vericuetos del pasado y del presente, incluso de aquellas otras geografías que podían aportar luz musical a lo que se estaba haciendo en España.

Editorial del Futuro Método No.6 1984

miércoles, 18 de abril de 2012

bunny yeager, la construccion iconografica del erotismo en los años 50 (del siglo XX)


Bettie Page & Bunny Yeager

Muchos sabrán, y otros tantos no se lo podrían ni imaginar, que una parte del modelo iconográfico del erotismo de los años 50 dirigido al sector masculino heterosexual fue creado por una mujer, Bunny Yeager. Beatriz Preciado lo explica en el siguiente fragmento de su libro Pornotopía, un libro que resulta de lo más interesante para conocer el universo creado por Hugh Hefner a través de la publicación Playboy. El libro deconstruye muchos estereotipos creados alrededor de la revista, pues fue mucho más (especialmente en sus primeros años) que un simple desplegable de chicas desnudas.

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La persistente exposición del interior doméstico en Playboy era en realidad el resultado de un cuidado proceso de diseño y de teatralización del espacio. Los fotógrafos serán los principales escenógrafos del interior de las imágenes pin-up de Playboy durante los cincuenta-sesenta. Antes de convertirse en el famoso director de Pussycat! Kill! Kill!, Russ Meyer trabajó realizando las fotografías eróticas de Playboy, que preparaba siguiendo un guión casi cinematográfico. Pero curiosamente el fotógrafo que más influyó en la creación de un estilo en Playboy no fue un hombre, como dejaban entender las críticas esencialistas contra el "ojo masculino" y el "sexismo masculinista" de la revista, sino la fotógrafa americana Bunny Yeager. Yeager, que según su propia definición siempre había soñado con ser una chica pin-up, trabajó como modelo y actriz secundaria antes de estudiar fotografía en la Escuela de Miami y empezar a fotografiar a sus amigas. Fue Yeager la que inmortalizó a Bettie Page, a Lisa Winters, a Maria Stinger o a Ursula Andress, la que inventó los bikinis estapados de leopardo y los flequillos rectos, la que creó los escenarios coloniales con chicas blancas rodeadas de animales salvajes y los decorados de interiores con muebles rojos y verdes de formica.

En 1954, Yeager vendió la primera fotografía de Bettie Page a Playboy. En 1959 se había convertido en el mejor fotógrafo americano del año y una de las profesionales mejor pagadas del mundo. Sin embargo, aunque muchas de las playmates fueron amigas personales de Yeager, las fotografías no eran casuales, sino que resultaban de una precisa escenografía de lo cotidiano. En 1955 Hefner escribe para Yeager un protocolo con directrices de representación fotográfica: "Las playmates deben ser representadas en un espacio interior o en un decorado natural. Playboy es una revista de interior para el hombre urbano y las playmates deben dar la misma impresión... Nos interesa que todo parezca natural, no un decorado de estudio, sin accesorios excesivos".

Extracto de Beatriz Preciado, Pornotopía. Arquitectura y sexualidad en "Playboy" durante la Guerra Fría (Anagrama, 2010, pp. 72-73)

martes, 17 de abril de 2012

james natchwey, el cronista contra la infamia

Un fotógrafo que admiro profundamente. No sólo por sus imágenes llenas de compasión y esperanza, sino también por su compromiso con aquellos que han sufrido el azote de la injusticia. James Nachtwey se forja como fotógrafo de guerra a principios de los años 80, cuando el conflicto en Irlanda del Norte comienza a vivir una escalada de violencia generalizada y la Belfast católica y protestante recrudece sus posiciones político-armadas. Natchwey ha hecho de su vida la estimable tarea de recordarnos que cuando la voz de las víctimas es silenciada o manipulada aparece la inmundicia, el saqueo moral del ser en su forma más salvaje, la infamia.

lunes, 16 de abril de 2012

pinterest como herramienta de monitorización en el análisis de tendencias (en javier m. reguera studio)

Synd.Trends es un servicio ofertado en mi estudio profesional sobre tendencias, investigación de mercados y coolhunting. El servicio está dividido en dos partes: una versión online a la que se puede acceder a través de la web, y una versión premium en formato PDF (proximamente). Ambas versiones profundizan en tendencias contemporáneas relacionadas con fenómenos de consumo, cultura digital, targets emergentes, etc. En esta ocasión se analiza la integración de la red social Pinterest en el contexto metodológico del análisis de tendencias.

Página en Pinterest de Asi se fundó Carnaby Street & Javier M. Reguera Studio

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Las referencias estadísticas que sitúan a Pinterest ante un crecimiento exponencial tanto en visitantes únicos como en generador de tráfico ha promovido expectativas suficientes como para considerar su prestancia en la monitorización del flujo de contenidos de la Web. Ese crecimiento y, por tanto, su éxito relativo, no es ajeno a la tendencia que explica la evolución de la Web Social desde la perspectiva de la producción-propagación de contenidos y su manera de explicitarlo mediante la interactividad, a saber: el auge de lo que se ha dado en llamar Social Content Curation en detrimento de los contenidos de gran alcance. Este hecho no expresa tanto el déficit del contenido discursivo como el desplazamiento del usuario general hacia ecosistemas online de carácter más visual, con capacidad de sintetizar su marco expresivo y dinamizar las respuestas, su poder reactivo.

Pinterest puede considerarse un red social que integra y adapta en ese nuevo escenario de visualización algunas herramientas y plataformas que han configurado parte del paisaje de la Web 2.0., agilizando los mecanismos de recomendación indirecta (Repins) y posicionamiento del gusto (Likes) en una variedad ingente de items referentes a todo tipo de categorías de consumo y estilos de vida que pueden ser recolectados (Bookmarking), compartidos y redistribuidos (trafico calificado). En la base de todo su registro de utilidades presentes (y futuras) está su potencial como buscador con un capital simbólico cimentado en la divergencia estética y la socialización de la diferencia. Independientemente de la funcionalidad específica que le atribuya cada usuario, empresa o marca corporativa, responde a cierta necesidad de acotar la saturación de los flujos de información online permitiendo un filtrado de las fuentes basado en el interés y el gusto.

Seguir leyendo en Javier M. Studio

domingo, 15 de abril de 2012

oliver, mi vida entre los humanos (IV)


Fotografía. Javier M. Reguera

Mucha gente pensarán que Oliver es un ser extraño, y es probable que lo sea pero sólo desde el punto de vista de aquellos que no serían capaces de empatizar con la diferencia. Pensamos en general que todo lo que no puede ser igualado a nuestra condición (social, cultural, económica, etc) sólo merece ser observado desde el ostracismo, la desconfianza, el desprecio. Todo aquello que no podemos o queremos comprender lo condenamos sin ningún miramiento, pensando que eso ha de aliviar y justificar nuestros propios defectos, nuestros propios males. Todo aquello que no toleramos de los demás no deja de ser una prolongación de nosotros mismos. Oliver sufre con frecuencia las acciones inquisitivas de mucha gente, y sin embargo sigue creyendo que aquellos que le rechazan, subestiman y desdeñan, también merecen una oportunidad. Una oportunidad para escapar de la ignorancia y reconvertir sus proyecciones negativas sobre el otro en algo distinto, en aprendizaje y conocimiento. En un saber del sí mismo. Sólo asi se podría congeniar con las cosas del mundo y su acontecer.

Oliver, mi vida entre los humanos es una historia narrada y fotografiada por José Luis Micó y Javier Martinez Reguera. Podeis seguirlo en su página oficial de Facebook

sábado, 14 de abril de 2012

Gary Numan Sng 1979 Cars



Cars is a 1979 song by Gary Numan, and was released as a single from the album The Pleasure Principle (1979). It reached the top of the charts in several countries, and today is considered a New Wave staple. In the UK charts, it reached number 1 in 1979. The song was the first release credited solely to Gary Numan after he dropped the band name Tubeway Army, with which he had released four singles and two LPs, including the number one UK hit Are 'Friends' Electric?, and its parent album, Replicas. Musically, the new song was somewhat lighter and more pop-oriented than its predecessors.

Cars is based on two musical sections: a verse/instrumental break and a bridge. The recording features a conventional rock rhythm section of bass guitar and drums, although the rest of the instruments used are analog synthesizers, principally the Minimoog and the Polymoog keyboard, providing austere synthetic string lines over the bass riff. The bridge section also includes a tambourine part. Numan's vocal part is sung in an almost expressionless, robotic style.

Informacion extraida de Wikipedia


Gary Numan Sng 1979 Cars

Nota: todos los vinilos pertenecen a mi archivo personal. Todas las portadas y canciones han sido escaneadas y digitalizadas directamente de esos archivos.

viernes, 13 de abril de 2012

dublin-up (III)





Fotografías. Javier M. Reguera. Pichar en las imagenes para ampliar. Todas las fotografías tomadas con película B/N, Kodak Tri-X 400

max-o-matic o la agitacion de lo grafico (entrevista)




Máximo Tuja (Max-o-Matic) es un diseñador radical, diferente, que explora la agitación a través de lo gráfico. Pura magia para los ojos. Esta entrevista se la hice en 2008 (para la revista 200 dias en Sing-Sing). Al repasarla y ver su trabajo más reciente, creo que la entrevista sigue en sintonía con sus propuestas actuales. Publicarla en Asi se fundó Carnaby Street, ahora, es también una forma de darle mayor cobertura a una obra de gran calidad.


A modo de introdución, Máximo, ¿Podrías contarnos cómo llegas al diseño y cuál ha sido tu formación?

Llegué al diseño a través de un camino muy largo. No me levanté un día diciendo “quiero ser diseñador”. Más bien di varias vueltas hasta que terminé dándome cuenta que el diseño era lo que me atraía de muchos campos muy diferentes que me interesaron en diferentes etapas de mi vida. De adolescente fui un skater (frustrado) a quien le gustaban más las revistas thrasher y las gráficas de las tablas de Santa Cruz o Powell Peralta que ir por el barrio con el patinete. También fui un punkie de fin de semana que flipaba con las portadas de los primeros discos de los Ramones o de los Clash, y me pasaba los días dibujando los logos de mis bandas favoritas en los márgenes de mis cuadernos del instituto. Cuando llegó el momento de la universidad no tenía ideas muy claras sobre qué hacer y comencé con Económicas. Me dijeron que así podría trabajar de cualquier cosa, y yo me lo creí. Sin embargo, un par de años después me di cuenta de que las matemáticas no eran lo mío. Así que cambié a Ciencias de la comunicación, donde durante 6 años leí a todos los autores pre-marxistas, marxistas, post-marxistas, estructuralistas, racionalistas, modernistas, postmodernistas y todos los istas que nunca imaginé que existieran. En aquel momento me parecía muy interesante pero aún seguía sin ver claro en qué iba a trabajar cuando terminara de estudiar. Así que la orientación que no encontraba en los estudios, la encontré en los proyectos paralelos que generó la Universidad.

Gracias a un fanzine que comencé a publicar con un colega llegué (por fuerza, ya que era el único que tenía ordenador con Page maker) al diseño. A partir de ese momento poco a poco, como casi sin quererlo, cada vez me fui metiendo más en el mundo del diseño. Primero libros, después la web, prácticas en un estudio, un trabajo, y así hasta hoy. En 10 años pasó de un divertimento a un trabajo que me divierte mucho. Me gusta que el camino no haya sido recto, ya que en el camino he aprendido otras cosas que de otro modo no sé si hubiera tenido acceso a ellas.



¿Cómo te planteas el diseño, el proceso creativo? ¿Partes de una idea predeterminada o dejas que las imágenes vayan llegando de modo espontáneo?

Soy muy disperso en el proceso creativo. Así que, por lo general, parto de una intuición que va tomando forma. No sé bien cuál es el camino que sigo, pero de algún modo todo va tomando sentido después de un tiempo de trabajar. Me gusta pensar que dejo que mi curiosidad me lleve, aunque tengo que reconocer que eso también hace que le dedique mucho tiempo a intuiciones que finalmente terminan siendo algo que no me termina gustando nada.

¿Influye en ese proceso el punto de vista del cliente?. Lo digo porque tu obra resulta muy coherente a pesar de su eclecticismo. Incluso en algunos momentos muy al margen de la comercialidad. ¿Cómo es la relación con el cliente y sobre qué margen de libertad operas?

En principio, todo el trabajo que hago bajo el nombre Max-o-matic está enfocado como trabajo personal y no comercial. Hago lo que a mi me gusta y lo que en cada momento me parece interesante. El cliente suelo ser yo y sólo me tiene que gustar cuando lo termino. En muchos casos, más tarde alguno de esos trabajos fueron seleccionado para ser publicados, expuestos o simplemente han quedado colgados en mi web. Los trabajos hechos para clientes casi siempre ha surgido a partir de gente que le gustaba lo que yo hacía y quería ese mismo estilo para ellos. En este caso el margen de liberad casi siempre fue absoluto. Y posiblemente sea por esto que encuentres una coherencia entre las cosas que hago. Hay una serie de elementos que siempre me han interesado y no hizo falta que los quitase por presión del cliente.

Por otra parte, haces uso de elementos y disciplinas bien diversas. Fotografía, ilustración, collage, tipografía. En ocasiones todo ello se integra en una misma superficie. Tu trabajo me parece el ejemplo perfecto de cómo el diseño gráfico ha llegado a configurar un lenguaje propio, contemporáneo, que no se resiste incluso a invadir el espacio pictórico y artístico.

Creo que al no dominar ninguna disciplina, voy coqueteando con todas para ver hasta dónde puedo llegar. Y como me divierto sigo probando. Cuando empiezo algo voy añadiendo elementos y se genera algo complejo con muchas capas y niveles. También soy disperso en eso. Además me gusta el proceso de aprendizaje de nuevas cosas, y eso hace que siempre esté interesado en saber cómo se hacen cosas que no sé hacer. Por eso mezclo un poco todo. Ahora bien, si esto es un ejemplo de una tendencia general del diseño gráfico, ¡no tengo ni idea! Tal vez es que tenemos acceso a tanta información que vemos mucho de eso, como vemos mucho de cualquier cosa. Yo veo mucho de eso porque es lo que me gusta, pero no sé si el resto de diseñadores ve esto como un lenguaje propio y característico del diseño actual.



Por hacer referencia a un caso concreto, en la serie Ping Pong congenias estilos de ilustración muy diferentes. Hace unos años quizás hubiera sido impensable utilizar ese recurso.

La verdad es que nunca lo había pensado desde ese punto de vista, pero está bien plantearlo así. La serie Ping Pong Remix nació de un proyecto de Gastón Caba (www.gastoncaba.com.ar). La idea era mezclar sus personajes con los universos gráficos de los artistas que él invitaba. Así que en este proyecto en particular mezclar estilos diferentes dentro de una misma pieza estaba supuesto en el brief. En ese trabajo está muy claro que mi mundo viejo se encontraba con sus personajes nuevos. Creo que la contraposición quedó muy bien. A partir de Ping Pong Remix, en trabajos posteriores mezclé estilos irreconciliables para generar esta tensión que me moló tanto, aunque no sé si lo volví a conseguir con el mismo resultado. En esa línea ese es el primero y el que más me gusta.

Incluso algunos personajes de la política del siglo XX caben en unas zapatillas. En otras ocasiones los colocas como parte de un fresco que nada tiene que ver con el contexto político. No sé si es intencionado, pero al verlo en un estampado pierden toda connotación ideológica, como si el diseño tuviera el poder de alterar los significados y diluir el mensaje en una imagen en estado puro.

Personalmente me parece muy divertido jugar con la noción de contexto. Es genial mezclar personajes y situaciones descaradamente. El movimiento Dadá lo insinuó, y los situacionistas fueron los que hicieron de ello un lenguaje muy poderoso para decir cosas serias de una manera nueva e impactante. De todos modos, lo mío no es un discurso político tan directo como el de los situacionistas, pero si rascas algo puedes sacar. Se trata también de mirar a las cosas más serias con un poco más de irreverencia. Customizar una zapatillas decorando la izquierda con figuras del comunismo y la derecha con íconos de fascismo me parece una broma muy tonta y sencilla, pero a la vez potente. El diseño juega con el contexto y el contexto con la significación. Así pueden estar Stalin y Hitler en un par de bambas, y aún con ellos allí yo pueda llevarlas puestas.



el libro que editaste en 2007, Latex for fun, tiene como motivo el globo, un objeto que asociamos al juego y al divertimento. La idea parte, según tú mismo explicas, al encontrarte un globo en la calle, en Barcelona. No parece fácil coordinar y editar un libro en el que han participado tantos diseñadores, de diferentes países y con propuestas estéticas tan diferentes.

El libro nació de una casualidad. En esa época estaba flipado con los designer toys. Me gustaban, pero eran muy caros. No me gustaba que el calificativo designer haga al juguete más inaccesible, elitista y costoso. El primer globo no lo encontré en la calle. Lo trajo al trabajo el hijo de mi jefe (la editorial cambió niño por calle por algún misterio). Dibujé una cara en él me pareció algo muy divertido. De ahí surgió la idea básica del proyecto. Un globo pintado por un diseñador sería, literalmente, un designer toy: el juguete para un diseñador.

Seguir leyendo La idea juega de nuevo con una manera de subvertir los objetos, incluso el contexto para el que han de funcionar.

Toma algo del mundo de los niños y mézclalo con algo del mundo del arte y seguramente saldrá algo interesante. Esto no me lo inventé yo, ¡por supuesto! Pero me divierte cuando las cosas cambian de sitio y así de significación. También me pareció gracioso pensar en que los globos como objeto de arte son efímeros. Pintar sobre un globo en una época donde el arte cotiza en alza es un acto heroico. Pinta un globo y diviértete como un niño. Con tonterías como ésta hay que quitarle (al menos un poco) el carácter pretencioso, snob y acartonado que tiene el arte en muchas ocasiones.

El globo, que de por sí ya tiene cualidades extraordinarias, se convierte en un objeto aún más inimaginable a través del diseño. ¿Tiene algo que ver este proyecto con la definición que haces de ti mismo en tu web: “soy patafísico por convencimiento”? Me da la sensación que Alfred Jarry y el Colegio de Patafísica francés (Queneau, Duchamp, Vian, Prevert) hubieran avalado un proyecto de tales características.

Si pienso en el globo como un objeto inútil y en la obra de arte como un objeto literalmente explosivo tal vez pueda ver alguna influencia patafísica, pero este proyecto no lo pensé como una obra patafísica ni mucho menos. Tal vez el Colegio de Patafísica podía haber avalado un proyecto así, aunque seguramente la rigidez y lo laberíntico de la burocracia del Colegio me hubieran impedido llegar a presentarlo. Quienes seguramente lo hubieran avalado habría sido la Casa Leczinski para las artes del Siglo XXI, un bastión de la patafísica con pretensiones mucho más inclusivas que el College y los Institutos, que poco a poco parece que se están petrificando, momificando.

Soy patafísico por convencimiento porque los modos de la patafísica (ridículos, inútiles, bromistas, etc.) tienen que ver mucho con mi forma de hacer y de disfrutar el trabajo. Desde que descubrí a Jarry, Queneau, Vian, etc. me di cuenta que había llegado muy tarde a todo y que muchas cosas de las que pensé, imaginé o fantaseé las habían pensado, imaginado y fantaseado en el siglo XIX gente mucho más lista, innovadora e interesante que yo.



En alguna parte de tu Web dices: "No ilustro, intento crear mundos de mentira con pedazos del mundo de verdad”. Toda una filosofía que, según creo, encaja con esa forma del diseño-collage en el que cualquier cosa, objeto o icono, por mínimo que sea, adquiere relevancia en el diseño. ¿Es ése el trabajo de un diseñador: ilustrar el mundo?

Yo no ilustro. No sé dibujar. Un ilustrador tiene la posibilidad de crear de la nada su visión del mundo o de las cosas. Yo no; necesito del mundo para pasarlo por mi filtro y crear mi visión de las cosas. No soy autónomo, soy dependiente y limitado. Cuando no tuve ordenador por una temporada hice collages... nunca pude dibujar; daría un par de dedos de la mano que uso menos por saber dibujar como sueño en mis sueños, pero no. Así que por eso “No ilustro, intento crear mundos de mentira con pedazos del mundo de verdad”. Intento ser honesto. ¿El trabajo del diseñador es ilustrar el mundo? No lo creo. Su trabajo es ordenarlo un poco y darle forma para que signifique algo que queremos decir. De todos modos diseño vs arte es un tema bastante largo y complejo...

jueves, 12 de abril de 2012

una mosca se ha colado en mi blog... al comprobar que no iba a marcharse por iniciativa propia y se estaba convirtiendo en una molestia no me ha quedado mas remedio que tirarle un dardo

boxing en south circular road, dublin

dublin-8 Fotografías. Javier M. Reguera. Pichar en las imagenes para ampliar

Imágenes pertenecientes a la serie Dublin-up. Una manera de recorrer la ciudad desde sus pliegues: la urbe es siempre la acumulación de espacios yuxtapuestos, confrontados, contradictorios. Con la mirada puesta en las avenidas alejadas de las rutas turísticas, muestra al habitante, al transeúnte localizado o perdido entre sus límites. En una Teoría de los Pliegues, la ciudad queda desposeída de un centro. Esta siempre es una teoría incumplida, irrealizable al completo, en la medida en que la ciudad puede entenderse también como una maquinaria de reproducción constante.


South Circular Road, al sur de la ciudad. Ring Side. Dos días en la celebración de la liga infantil y juvenil del área metropolitana de Dublín. A 500 metros otra realidad: Rialto y Fatima Mansions, dos áreas deprimidas del inner city.

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El cuadrilatero formaliza las reglas, pero el golpe. Combates que apenas duran tres minutos. La popularización del boxeo en algunos barrios periféricos (con más intensidad décadas atrás) concuerda con la expresión simbólica del habitante en el límite urbano.

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La pérdida casi siempre omite el esfuerzo añadido. Cierto sentido gregario, propio de las generaciones infantiles y juveniles, vuelca la expresión del sujeto por medio de la violencia como juego.

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Ese espacio intermedio entre lo que representa Dublin en los límites suburbiales del Inner City y un centro (City Center) deslocalizado por el flujo migratorio podría expresar la necesidad de prolongar la tradición pugilística en Irlanda, es decir, la lucha.

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La visión de una celebración alrededor de las mesas. El mismo efecto social que en una boda o en una reunión familiar.

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APENDICE. EL GOLPE


Fotografía: Javier M. Reguera (Pichar en la imagen para ampliar)

Otros momentos similares recorren el blog. Aquellas imágenes que hice en Dublín, en los márgenes de su periferia. En otro orden de cosas, la muestra del mítico boxeador francés Marcel Cerdan y aquellos días más lejanos en que Arthur Cravan cayó en la lona.

Nota: todas las fotografías tomadas con película B/N, Kodak Tri-X 400 (forzado 800 ISO)

tres cucharitas: reposteria y creatividad (entrevista)




Realmente el mundo a veces concuerda. Si existe un sitio donde uno puede sentarse a charlar con amigos (o solo) y tomarse un pastel mientras otea un techo lleno de puntos de colores, y además ese pastel es capaz de evocar otras sensaciones, entonces, existe algo más que esperanza en este tiempo de desconcierto en el que vivimos. Pero tras ese mundo está el empeño personal de dos jóvenes, Elena y Diego, que han hecho de la repostería un acto realmente creativo. Hablo de Tres Cucharitas, un local ubicado en Alicante, en la calle Médico Pascual Pérez, inaugurado al público en febrero de este mismo año. Eso sería decir nada si no fuera porque a ese mundo se accede muy fácilmente, un acceso directo al color, al diseño, a los sabores recreados con mimo y perseverancia, a la creatividad y a un trato tan amable que dan ganas de agenciarse cada clase de cupcake y hacer una colección infinita. Y digo infinita porque Tres Cucharitas ofrece innovación y diversidad, tanto así que otro de sus empeños consiste en idear nuevas combinaciones para sus dulces, nuevas maneras de sentir el mordisco. En definitiva, no repetirse o instalarse en la autocomplacencia.

Y quizá deberíamos mirar más de cerca cómo han llegado ahí, a una filosofía de negocio que asume el riesgo: la ilusión, la tenacidad y la innovación posiblemente sean un antídoto natural contra todas las negativas que, quizá, hayan tenido que experimentar o escuchar. Ya explicarán ellos si ha sido así, pero de lo que no cabe duda es que hasta llegar ahí, a materializar su modelo de negocio y dotarle de un sentido tan personal, han tenido que recorrer un largo camino. Y eso que les delata la juventud. Diego es arquitecto. Elena es publicista. Y entre ambos decidieron, en su momento, emprender un proyecto que, a pesar de que no tenía nada que ver con su formación universitaria, probablemente ya llevaban dentro desde hace tiempo, quizá años. Diego es un cimiento imprescindible. El no hace dulces, alimenta el mundo que lo circunda, y eso es tanto como decir que su impronta también está en cada ingrediente. Elena moldea y expande un universo que tiene que ver con los sabores, pero también con las percepciones. Y al hablar con ellos uno termina comprendiendo que esa construcción solo es realizable desde la pasión.


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¿Cómo se gesta la idea de montar un negocio como Tres Cucharitas?

Desde siempre, Elena ha mostrado especial interés por la cocina y de hecho lo ha convertido a lo largo de los años en una de sus principales aficiones. Como muchos, se fue sumando a la fiebre de los cupcakes y las tartas fondant que comenzaba a notarse cada vez con más fuerza en nuestra ciudad. Desde el principio nos llamó la atención a muchos la capacidad de expresión que mostraba en la decoración de este tipo de repostería y a raíz de eso ambos pensamos que era un buen momento para emprender una aventura empresarial enfocada en esta dirección. Si bien es cierto, se gesta en un contexto que no acompaña, en el que muchas ideas y muchos sueños no pasan del papel. Pero fue precísamente esto uno de los aspectos que más nos motivó. Para nosotros se convirtió en un reto personal el hecho de llevar a cabo hasta el final un proyecto de este tipo, independientemente de su éxito o fracaso. La satisfacción de verlo materializado es algo de lo que siempre íbamos a sentirnos orgullosos. Ahora lo podemos decir con conocimiento de causa.

¿A qué retos os habéis tenido que enfrentar en su proceso de creación y, posteriormente, durante todo el tiempo que lleva funcionando?

El primer reto es saber por donde empezar. Conseguir organizarse y tener bien enfocados los objetivos es fundamental. Por otra parte, todo lo que haces lo haces por primera vez y por tanto cada nuevo paso es un desafío al que te enfrentas. Es un aprendizaje contínuo. También supone una gran dificultad la inmediatez con la que tienes que afrontar las diferentes situaciones. Muchas veces no tienes tiempo para hacer una pequeña reflexión o incluso consultar a personas en las que confíes. Hay que jugar mucho con la improvisación y confiar en tu intuición. Consideramos muy importante tener muy bien definida la idea de negocio para poder enfocar cada una de las decisiones en la dirección que quieres marcar. Si tienes claro el concepto, lo que quieres comunicar, es mucho más sencillo tomarlo como referencia en cada momento.



Sé por vosotros mismos que habéis tenido que superar muchas barreras, especialmente para financiar el proyecto.

Efectivamente tocamos muchísimas puertas y no obtuvimos la respuesta deseada. En general, todo se te plantea de una forma muy sencilla y muy cómoda hasta que llega la hora de la verdad y la realidad es otra. Para muchas entidades bancarias, por ejemplo, es muy sencillo crearse una imagen de compromiso con los jóvenes y con la sociedad a través de sus mensajes pero lo cierto es que la gran mayoría no cumplen con sus promesas. En nuestro caso recibimos varias respuestas tanto de entidades bancarias como de instituciones en las que rechazaban nuestro proyecto por inviable o poco interesante. Hay que tener muchísima paciencia.

Sois dos personas al frentre de Tres Cucharitas. ¿Cómo os dividís el trabajo, la gestión del negocio?

En cuanto a la gestión del negocio no nos planteamos que hubiera un reparto de tareas desde un principio. Es más, hacemos los dos un poco de todo. Sí que es cierto que abordamos cada uno de forma específica los temas que más se asemejan a nuestras profesiones. Por otro lado, en cuanto al trabajo de día a día, la única diferenciación entre ambos es que Elena es la responsable de todas nuestras creaciones y por tanto es ella la encargada de elaborar todos los dulces que vendemos así como de atender personalmente al cliente para personalizar su encargo. El resto de las tareas se reparten entre los dos siempre y cuando Elena esté disponible.

Los detalles imprimen la diferencia, una identidad muy marcada. Yo diría que mezclais tres conceptos distintos y lo envolveis en un ambiente realmente afable, delicado, original: pastelería, coffee-Shop y biblioteca (o punto de lectura, un ambiente cultural) ¿Creeis que es asi? ¿Es algo sobre lo que habeis pensado o, por el contrario, surgió de un modo espotáneo?

Queríamos aportar algo diferente a nuestra ciudad. Para ello no nos fijamos unos parámetros concretos a seguir, sencillamente barajábamos diferentes ideas como las que mencionas y buscábamos la forma de que al combinarlas resultaran coherentes. Como bien dices hay mucho de espontáneo en todo esto. Por supuesto, la venta del producto que elaboramos era uno de los puntos de partida del negocio y con esta base fuimos dándole forma a la idea de crear un ambiente en el que de alguna manera se pudieran “degustar” diferentes sensaciones para acompañar ese contacto directo con nuestros dulces: un buen café, un té, una buena lectura o simplemente un rato tranquilo entretendiéndose fijando la vista en el techo mientras escuchas algo de música, pueden ser un buen pretexto para que te animes a adentrarte en el mundo de los cupcakes o de las decoraciones con fondant.



Tú, Diego, has diseñado el interior del local. Lo cierto es que al observar detenidamente cada detalle se tiene la impresión de que todos sus elementos encajan a la perfección. Hay una aparente simplicidad en el diseño, pero supongo que llegar a la idea final no ha sido fácil. ¿Podrías explicarnos como ha sido el proceso creativo hasta materializar su arquitectura, la decoración?

Fue muy importante a la hora de elaborar el proyecto la complicidad existente entre nosotros despues de tantos años juntos y lógicamente el entendimiento de la idea que teníamos de este espacio en el que íbamos a desarrollar nuestra actividad ha sido desde el principio fantástico. Además tuvimos total libertad para desarrollarlo, teniendo en cuenta que éramos promotores, arquitectos y clientes, todo al mismo tiempo. Por encima de todo queríamos que este espacio fuera un atractivo importante del negocio, un lugar especial que recogiera esa experiencia de degustación tan particular que buscábamos y que fuera una prolongación de la imagen de marca que queríamos transmitir.

El objetivo principal del proyecto era crear un espacio único que envolviera tanto al servicio (nosotros) como a los clientes (nuestros invitados) y que permitiera compartir un lugar común de degustación, estancia, reposo, lectura, atención, exhibición, elaboración. Sorprendentemente, las condiciones estructurales del local nos permitieron incrementar de forma notable la altura libre llegando casi a duplicarla y crear de esta forma una caja elevada sobre la estancia principal que permitiera generar una sensación de amplitud mayor y que a su vez atrayera por su singularidad y su calidez. Esta caja elevada, pintada a mano por nosotros mismos con la ayuda de unos cuantos amigos, está decorada de forma que se entienda la idea fundamental que queremos transmitir: un trabajo artístico por artesanal, manual o intuitivo no debe perder en su proceso de creación la ambición por alcanzar un resultado limpio, pulido y sofisticado.

Una vez el cliente se sientiera envuelto en esta “caja de regalo” queríamos que tuviera la posibilidad de elegir diferentes formas en las que estar dentro de ella, ya sea acomodado en un sillón leyendo, tomando un café rápido en la barra o disfrutando de un poco de aire fresco en nuestra “terraza”. Y siempre, desde cualquiera de estos puntos, pudiendo observar el foco de atención de la tienda, el mueble mostrador/obrador, donde Elena prepara, decora y expone todos nuestros dulces. El resto de aspectos del proyecto tales como la sencillez en los acabados, la claridad, los suelos y pared de madera, las librerías o la iluminación se adecuan al contexto amable y acogedor que queríamos conseguir: que nuestros invitados se sintieran como en casa.



Pero también se da una gestión muy particular. Con ello me refiero a la personalidad del sitio, el trato personal. Y en ese contexto también habéis incluido la posibilidad de que vuestros clientes vean como tú, Elena, confeccionas los dulces tras una mampara transparente. ¿Cuál sería su finalidad? ¿Cómo vives y experimentas esa parte?

Estamos hablando de un producto que está empezando a crecer y a conocerse en nuestro país. Tanto es así que mucha gente se ha aficionado a practicar en sus casas la elaboración de un cupcake o tarta fondant. De esta manera, pensamos que sería interesante, para la gente que desconoce el proceso, que viesen en directo y mientras disfrutan de un desayuno o merienda, cómo llegan al mostrador nuesros cupcakes o bien cómo va tomando forma un diseño en pasta de azúcar. Por eso desde el principio en el diseño de nuestra tienda la transparencia en el proceso de elaboración y decoración de nuestros productos era un requisito indispensable. En cuanto a la experiencia, me encanta de vez en cuando levantar la vista y observar la cara de alguno de nuestros clientes totalmente concentrado y entusiasmado con mi trabajo. Es una gran satisfacción personal ver cómo disfrutan con ello tanto lo hago yo.

Seguir leyendo Esa distinción de la que hablábamos se traslada sobre todo a vuestro trabajo de respostería. Tú, Elena, estás más volcada en esa parte, y desde luego se percibe una voluntad de personalizar ese mundo. Desde el punto de vista de vuestro modelo de negocio, ¿Cuál es vuestro planteamiento estratégico en relación a todo lo que tiene que ver con la repostería?

Digamos que para nosotros lo más importante es conseguir que el cliente no solo regale algo dulce sino que también consiga transmitir algo especial con ese detalle. Por eso decidimos adentrarnos en este campo de la repostería que tanta flexibilidad permite a la hora de llevar a cabo este objetivo de comunicación. La belleza, el diseño, un objeto bonito es capaz de llevar implícito un mensaje muy profundo e intenso. Y la personalización es fundamental para conseguirlo. Cada uno de nuestros encargos está hecho única y exclusivamente para esa persona o personas que los recibe, bien como obsequio o bien como complemento para un momento especial en su vida.



Haceis pasteles, cupcakes, galletas... Una gran variedad de dulces. Parece sorprendente que en un espacio tan pequeño (por ejemplo, un cupcake) se pueda crear un universo tan personal y rico en matices. Se aprecia una necesidad de experimentar tanto a nivel visual como sensitivo (en sabores). ¿Podriais explicaros como abordais esa tarea?

Nos encanta experimentar cosas nuevas y por supuesto lo adptamos a nuestro trabajo. Procuramos introducir algún sabor nuevo con frecuencia o cambiar recetas preestablecidas, pues lo más interesante y gratificante de todo, es cuando no la sigues, casi te la inventas y al probarlo nos encanta el resultado. En ocasiones, por ejemplo, fijamos un ingrediente para el cupcake, una fruta que nos apetezca incorporar y probamos diferentes soluciones con las que pueda combinar. De esta forma han surgido muchos de nuestros cupcakes con más éxito. En cuanto a la decoración, muchas veces se trata de dejarse llevar por lo que te sugiera en ese momento una determinada fecha señalada, un evento especial o lo que nos propongan los propios clientes para sus encargos personalizados. Es cierto que para ello disponemos de un pequeño espacio, a veces minúsculo, pero ahí encontramos nuestro reto: transmitir algo grande en algo tan pequeño.

Y las tartas. Otro mundo por explorar. En algún momento habeis comentado que prevalece la personalización. Me gustaria que nos contarais el proceso de su creación.

Todo comienza cuando anotamos el pedido en nuestra agenda. Es en ese momento cuando hacemos la pregunta clave para llevar a cabo la personalización de la tarta: “¿qué es lo que quieres comunicar?”. Con otras palabras, les sugerimos que nos cuenten la breve o larga historia del por qué de ese regalo. De este modo vamos adquiriendo conocimiento de la situación y así mismo aconsejando, guiando o símplemente escuchando lo que quiere exactamente el cliente. El proceso de creación de la tarta es complejo a la par que sencillo. Complejo en lo que se refiere a su elaboración, montaje, etc. Sin embargo, una vez inspirada por los clientes, me resulta sencillo decorar las tartas dejaándome llevar plénamente por lo que me sugiera en ese momento la imaginación.

Por otra parte, ¿que tipo de ingredientes o cupcakes habeis observado que tienen más éxito entre vuestros clientes?

El gran éxito entre los cupcakes es el de Oreo. Hacemos cada día y en ocasiones hemos tenido que hacer dos hornadas diarias para satisfacer la demanda. Por su parte están los clásicos como Vainilla, Manzana Canela, Red Velvet o Mochilo con Dulce de Leche que cuentan con muchos adeptos. Otros como el de Zanahoria no son tan exitosos a pripori pero los clientes que llegan a probarlos se convierten en auténticos incondicionales.



Simultáneamente, vuestra actividad se traslada también a los medios sociales, especialmente a Facebook. ¿Cómo os planteais su uso y qué esperais conseguir con la página?

Facebook es la ventana por la que nos asomamos a nuestros clientes de forma abierta y directa. Para nosotros es fundamental poder comunicar de forma sencilla y rápida los sabores nuevos que hemos incorporado, nuestros últimos trabajos o las actividades que vamos realizando. De otra manera sería impensable alcanzar la repercursión que se alcanza a través de las redes sociales. Interactuar de esta forma tan directa con los clientes es un lujo que hace unos años no se podía ni imaginar.

Sin embargo, vuestra página de Facebook nace unos meses antes que el propio local, Tres Cucharitas. ¿Qué ocurre en esos meses? ¿Podríais explicaros el tipo de acciones y movimientos que realizais en la página durante ese tiempo de intervalo?

La página de Facebook nace a finales del mes de Septiembre. No había consenso entre nosotros sobre la conveniencia de que Tres Cucharitas saliese a la luz tan pronto, pues a pesar de que la idea base tenía mucha fuerza, teníamos aún algún que otro cabo suelto que nos planteaban dudas. Simplificándolo mucho, sentíamos que el mero hecho de darle a un botón y hacerlo público, suponía una responsabilidad enorme para nosotros, pues de pronto había pasado de ser algo interno, personal e íntimo a convertirse en una realidad con la que el resto de personas iba a interactuar y que iba a generar respuestas de todo tipo. La publicación de la página fue una auténtica prueba de fuego. Nosotros mismos fuimos los primeros sorprendidos por su aceptación y fue un verdadero impulso para superar las dificultades a las que nos enfrentábamos a cada paso.

Qué le diríais a todos aquellos jóvenes que quieren emprender nuevos modelos de negocio, que quieren materializar sus ideas

Lo primero que les diríamos sería que fuesen, por así decirlo, algo insensatos. Cuando llevas a cabo un proyecto novedoso es mejor muchas veces ignorar ciertas cosas y no ser del todo consciente de los riesgos que vas a asumir porque sería muy fácil caer en la tentación de buscar opciones más seguras y cómodas. Si están convencidos de lo que quieren les aconsejaríamos que no pensasen dos veces si hacerlo o no, símplemente que se aferrasen a su idea, a su proyecto y que tirasen de él con toda su energía. De esta manera poco a poco uno se va haciendo más fuerte, pues cuando comienzan a aparecer los obstáculos has de afrontarlos con la valentía que te proporciona el estar realmente convencido de lo que haces.

Pasado un tiempo, si la idea es buena y funciona, será el proyecto quien tire de ti. Será entonces cuando veas los riesgos que corriste y cómo fuiste capaz de superarlos. Los problemas que surgieron y supiste resolver de la mejor manera que sabías. Incluso creerás que si lo hubieras sabido, si hubieras reflexionado acerca de lo que estabas haciendo y a lo que te enfrentabas, quizá no hubieras tirado para adelante. Pero sin ninguna duda estarás orgulloso de haber sido, por así decirlo, algo insensato.

 
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