El mar no interrumpe nada. Sigue su propia mecánica, sin más objeción que la que podría amontonarse en los ojos. En uno de mis libros preferidos* la evocación del mar funciona también como un reconocimiento tácito de un estado de cultura prominente, rico en esfuerzo y voluntad, tantas veces dibujado en los mapas. El mar ni siquiera exige esgrimir una certeza duradera, pues el oleaje lo impide, y lo advierte cuando en la costa, en las desembocaduras, el agua se arremolina hacia una dirección que, desde lo humano, podría mostrase aún más incomprensible. No es fácil adivinar esa imagen, pero sucumbimos a su caudal. Todo el mundo intenta llegar hasta el mar.



* Al aproximarse al Mediterráneo, elegimos ante todo un punto de partida: una costa o una escena, un puerto o un suceso, un periplo o un cuento. Luego, ya no importa tanto de dónde hayamos salido, cuenta más hasta dónde hemos llegado, qué hemos visto y cómo lo hemos visto. A veces, todos los mares parecen iguales, sobre todo cuando la travesía es larga. A veces, cada mar es diferente.

Fragmento inicial de Predrag Matvejevic, Breviario Mediterráneo, Anagrama, 1991 (ed. original 1987)


domingo, 30 de septiembre de 2007

gilbert garcin o los souvenirs de la gran comedia humana



Si pudiéramos meter en un mismo embase a René Magritte, Charles Chaplin [Charlot], Robert ParkeHarrison, Sammuel Beckett, Henry Cartier-Bresson y Jacques Tati (Mr. Hulot), y agitáramos el conjunto con algo del surrealismo de primera hora, lo que saldría sería una fotografía de Gilbert Garcín, fótografo francés que empezó a desplegar los intersticios de la condición humana con unas tijeras, pegamento y mucha imaginación a la edad de 65 años, tras jubilarse como vendedor de lámparas. Inquietud y humor, absurdos cotidianos en un mundo que no resiste su envoltura, Gilbert Garcin hace asequible esa comedia para decirnos que en el noble arte de caer aparte no importa tanto quién nos mira como el modo en que hemos llegado.

Web oficial de Gilbert Garcin.

viernes, 28 de septiembre de 2007

el momento decisivo


[De arriba a abajo: Ilka Uimonen, Gaza, 2000 | Gilles Peress, Zaire, 1994 | Paolo Pellegrin, Iraq, 2003 | Thomas Dworzak, Afghanistan, 2001 | Philip Jones Griffiths, Vientam, 1968]

A través del blog Stereofónico me entero de que la Agencia Magnum ha editado una galeria multimedia, Covering conflict, donde se hace un repaso por algunos conflictos bélicos que sacudieron el siglo pasado y, tal como sigue, lo que llevamos de éste. Magnum no es sólo fotografía. A través de su archivo puede recorrerse la historia social, política y cultural de los últimos 60 años.

Muchos son los fotógrafos y reporteros gráficos que han propiciado la evolución hacia el fotoperiodismo contemporáneo, tal como hoy se ejecuta. Sin embargo, cuatro nombres sobresalen de una manera especial por la radicalidad de sus aportaciones al lenguaje fotográfico. Eugene Smith, creador del foto-ensayo, introduce la secuencia narrativa, multiplicando los puntos de vista sobre una misma historia. Robert Frank y William Klein determinan la visión subjetiva de los acontecimientos, una mirada interpretativa, desmitificadora, que no se detiene en la mera descripción. Y Henri Cartier-Bresson, que entre los años 40 y 50 sienta las bases de un fotografía basada en el momento decisivo y el instinto, aquel que es captado al vuelo y aprehende la realidad en el instante. Su reputación como fotoperiodista se fue cimentando desde la propia fundación de la Agencia Magnum, en 1947, pero es en 1952 cuando su trabajo comienza a destilar toda su influencia ante nuevas generacion de fotógrafos, influencia que llega hasta nuestros días con el reconocimiento unánime de que el fotoperiodismo habría sido distinto sin las singularidades de su obra. Ese año publica un libro fundamental, The decisive moment.

Según se cuenta en la biografía de la Agencia escrita por Russel Miller, Magnum. Fifty years at the front line of history - The story of the legendary photo agency [1997], Inge Morath era una absoluta admiradora de ese libro, creyendo además que hizo que la gente mirara de modo diferente la fotografía: "I remember Henry telling me: look first for composition and visual order and let the drama take care of itself". Cartier-Bresson era un fotógrafo con tintes formalistas, sin embargo, su idea de la geometría y el sentido compositivo de la imagen se convierte en valorativa y dramática al introducir la idea del instante decisivo. En el libro de Russell se reproduce un extracto de The decisive moment en que el fotógrafo explica ya no su concepción del hecho fotógrafico, sino también una filosofía de la mirada:

To me, photography is the simulateneous recognition, in a fraction of a second, of the significance of an event as well as of a precise organization of forms wich give that event its proper expressions. I believe that, through the act of living, the discovery of oneself is made concurrently with the discovery of the world around us wich can mould us. A balance must be established between these two worlds, the one inside us and the one outside us. As the result of a constant reciprocal process, both these worlds come to form a single one. And it is this world that we must communicate.

But this takes care only of the content of the picture. For me, contente cannot be separated from form. By form, I mean a rigorous organisation alone that oun conceptions and emotions become concrete and comunicable. In photography, visual organisation can stem only from a developed instinct... We work in unison with movement as though it were a presentiment of the way in wich life itself unfolds, but inside movement there is one moment at wich the elements in motion are in balance. Photography must seize upon this moment and hold immobile the equilibrium of it.


[Henry Cartier Bresson]

Sin olvidar que la tecnología, es decir, la sustitución de las cámaras de gran formato por la cámara Leica de 35 mm, portátil y ligera, amplió ya en los años 30 las posibilidades de la fotografía sobre el terreno y la movilidad del ojo sobre el campo visual, es Cartier-Bresson quien le da expresión, en su libro, a una forma inédita de organizar la práctica de la mirada. Pero hemos de trasladar tales ideas a la propia política editorial que los miembros de Magnum, a lo largo de su existencia, han ido incorporando con el acontecer de los sucesos.

The decisive moment.
Magnum Photos.
Henry Cartier-Bresson Fundation.
The Inge Morath Fundation.

Posts relacionados:
Magnum Photos, 60 años de historia en imágenes

jueves, 27 de septiembre de 2007

bande a part





Serge Gainsbourg > Black March, 1960 | LP. Du Jazz dans le ravin [1996]
Serge Gainsbourg > Intoxicated Man, 1962 | LP. Du Jazz dans le ravin [1996]
Anna Karina & J. B. Brialy > De plus en plus de moins en moins, 1967
Catherine Deneuve > Amour, Amour, 1970
Coralie Clement > Mes Fenêtres Donnent Sur la Cou | LP. Salles des pas perdus [2001]
Juliette Greco > Sous le ciel de Paris
Agnès Bihl > L'enceinte vierge | LP. La terre es blonde [2001]
Coralie Clement > Salle des pas perdus | LP. Salles des pas perdus [2001]
Serge Gainsbourg > Cannabis | LP. Cannabis [1970]
Jane Birkin > Home | LP. Fictions [2006]
Françoiz Breut & Dominique A. > Motus | LP. Françoiz Breut [1999]
Philippe Katerine & Anna Karina > Les petit Colis | VV.AA, LP. Noel ensemble [2000]
Nicole Croisille & Pierre Barouh > Plus Fort Que Nous | Francis Lai, LP. Un Homme et une Femme [1966]
Françoise Hardy > Message personnel | LP. Message personnel [1973]
Francine Lain > Lolitissimo, 1979

miércoles, 26 de septiembre de 2007

del glamour y otras cinefilias (entrevista a marta corcho)


[Audrey Hepburn | Greta Garbo]

Desde sus mismos orígenes, el cine se ha constituido en soporte de deseos y especulaciones universales, principio del patronaje que sobre la belleza y sus deliberaciones ideales ha ido modelando el siglo XX con todo el potencial de una maquinaria narrativa y la aún más ferviente necesidad, del lado del auditorio, de abastecerse de ficción. Parte de la concepción contemporánea de belleza procede de esa maquinaria. No es de extrañar que artistas, fotógrafos y pintores de toda latitud y condición hayan dedicado su esfuerzo a dilucidar y reinterpretar las mitologías del cinematógrafo a partir de sus modelos de belleza. La lista sería extensa y variada. Pero hoy quería referirme a Marta Corcho, una diseñadora gráfica y artista digital que ha basado parte de su dietario creativo en profundizar sobre tales enmiendas constitutivas de mitologías, y lo hace desde el tributo y el homenaje, aportando una idealización admirativa sobre el valor del cine en nuestras vidas. Más centrada en el glamour del cine clásico, su obra recoge una pléyade de actrices que crecieron y fueron perfilándose al amparo de los grandes estudios de Hollywood, con el star system. Se trata de retratos optimistas que acentúan su pasión cinéfila. Todo lo que las estampas y postales de época habían ido descubriendo de aquellas actrices, es decir, los propios deseos del espectador ante una vida que se le mostraba inalcanzable, Marta Corcho nos lo aproxima con el color, el fotomontaje y la acumulación de signos reconocibles, extrayendo de las formas el interior y el espíritu de aquellas actrices. Una visión pop del cine clásico que celebra el gusto por el glamour y la vida.


[Cartel Gula | Frances Farmer | Anne Bancroft]

ENTREVISTA A MARTA CORCHO
[Con este post se inicia en Así se fundó Carnaby Street un nueva sección: entrevistas a gente variada del ámbito de la cultura, del ciberespacio y demás lugares indefinibles]

-Me interesa tu aproximación al fotomontaje. No lo fuerzas, pero tampoco lo ocultas. Parece que todo ha sido colocado de manera natural ¿Podrías contarnos cómo comenzaste en el arte digital?

Empecé cuando aterrizó en mi casa mi primer ordenador. Haciendo mis pinitos con mil y un programas de retoque fotográfico, que la mitad me costaba sudor y lágrimas entenderlos. Mis primeras obras no tenían nada que ver con mis musas, si no, que me ponía yo misma de modelo. Pero cuando más aprendí fue cuando conocí a mi pareja Bernardo, él es diseñador gráfico, su empresa se llama Equilibriografico, me enseñó cómo funcionaba el mejor de mis programas de diseño Photoshop. Él fue mi mejor maestro, y el que me animó a hacer todo mi trabajo.

-¿Como abordas tus obras? Quiero decir, el proceso creativo parece muy
elaborado y complejo

Pufff!!!! No sé cómo empezar, primero tengo una y mil imágenes de toda clase. Texturas, objetos, flores, animales, plantas, y cómo no, fotografías del artista que quiero plasmar en mi obra. Como soy una adicta del diseño por ordenador, se me pueden pasar las horas y horas y aun estoy creando como loca.
A veces tienes una idea pero repasas las miles de imágenes y te viene otra distinta a la que pensabas. Pero lo más importante es que antes de que empiece a hacer una obra leo algo de la persona que voy a hacer. Por ejemplo, si es un cantante quien voy a plasmar, leo algo sobre él, y cuando termino me pongo su música, que no deja de sonar hasta que termino la obra. Dime maniática, pero soy así, yo diría que me gusta comunicarme con él, desde lo más profundo de “su vida y sus creaciones”. Si es una diva del cine pues leo sobre ella y si puedo veo alguna película.

-No cabe duda de que tus referencias principales proceden del star-sytem del cine clásico ¿Cual es tu visión personal de ese cine a nivel estético? ¿Y cuales crees que son las diferencias con respecto a la cultura visual del cine actual?

A nivel estético el cine de antes y el de ahora no tiene color. Me gusta mucho la estética de la mujer femenina, que se daba en el cine clásico, esas formas de hablar, de caminar, de pegar una calada de cigarrillo, de vestir.... un largo etc... Y los hombres eran auténticos galanes.
Con esto no quiero decir que no me guste el cine actual, que me gusta, pero reconozco que esa chispa que se tenía antes se ha perdido. Además, el carisma de las actrices de antes a las de ahora, no es lo mismo, quizás es por que antes se cuidaba más el glamour, y no como ahora, que rompen el encanto con los chismes de alcoba.

-Todos los elementos añadidos a tus cuadros parecen decir tanto del personaje como el retrato en sí. La acumulación de elementos en cada cuadro parece resaltar detalles de la personalidad, pública o privada, de tus homenajeados ¿Podrías explicar cómo los elijes? ¿Te documentas para llevar a cabo esa tarea?

Como te he dicho antes, el proceso es largo tanto con objetos, fondos, etc... Y sí, me documento cuando me pongo manos a la obra ¿Como los elijo?, pues siempre me dejo llevar por el instinto.

-Tu obra es muy esteticista. Existe una saturación del color propia del kitch y la cultura pop, una exaltación del glamour y cierta idealización de la belleza ¿Es algo deliberado?

Yo es que siempre me dejo llevar. Me encantan los colores atrayentes. Desde muy pequeña recuerdo que siempre coloreaba con colores vibrantes, y, cuando me regalaron mi caja de “Caran Dache”, disfrutaba poniendo color a todo. Sobre la idealización de la belleza...ummmm... bueno, es complicado explicarte. Yo diría que a veces mezclo dos cosas: una, el maquillaje (mi otra pasión). Siempre me gustó, así que cuando empiezo a colorear disfruto maquillándolas y como tengo nociones de maquillaje, pues las dejo preciosas. Lo segundo: no sólo plasmo la belleza exterior sino la interior. Muchas veces creo que plasmo su espíritu, que para mí es bello, amo lo que son las personas más que la belleza en sí. Porque la belleza en sí es pasajera, en cambio el espíritu es eterno.


[Lana Turner | Rita Hayworth | Gloria Swanson]

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-¿Cuales son tus actores/actrices preferidos? ¿Y cuales de ellos te gustaría incluir en tu obra que todavía no están?

Preferidos muchos, pero cada vez que me meto en hacer algún personaje nuevo, que yo creo que no es mi favorito, entra de golpe en la lista, y es que en cuanto termino mi obra les cojo más cariño. Así que no sé si decirte cuales son mis favoritos. Me encantaría incluir por ejemplo a Lola Flores, pero no encuentro buen material. En cuestión de actores, aun no lo he pensado.

-Tus retratos tienen como eje principal la figura femenina. El hombre tienen un protagonismo limitado en tu obra, sin embargo uno de tus últimos cuadros se centra en un personaje de gran relevancia cultural y musical en la España de los 80, Tino Casal. Parece que su propia estética conecta a la perfección con los elementos visuales de tu obra.

Huy.... aquí me has dado! Es que Tino es una debilidad para mi, jijijijiji... Cuando cumplí catorce años, y ya empecé a querer escuchar música para adultos, (quiero decir que dejé de escuchar a los payasos de la tele, y “su vamos de paseoooo”...). Recuerdo que en la radio sonó Tino con su Embrujada y me dejó muda, no sabia ni como era ni como vestía... nada! En ese momento me gustó su canción. No paré de dar la lata con que quería ese disco, hasta que me lo regaló mi hermana el día de mi cumpleaños. Y ya puedes imaginarte como me impresionaría su atuendo, su estilazo, y todo su disco me volvió loca. Así que cuando he tenido la oportunidad de poder homenajear a mi primer artista “el que me desvirgó, diría yo musicalmente” jajajaja... Lo he hecho con todo el cariño y el amor que le tengo.

-Quisiera citarte algunas actrices sobre las que has trabajado ¿Podrías definir algún rasgo característico de cada una de ellas y que te haya ayudado a elaborar sus retratos?

Es complicado, son miles de cosas que se me pasan por la cabeza cuando me inspiran ciertas actrices.
Audrey : por ejemplo siempre me inspira colores aun más alegres, divertidos y positivos. La encuentro una mujer romántica y de un corazón enorme.
Frances Farmer: A ella la hice por su historia, me pareció muy triste y pensé,.... “creo que
nadie la trató con cariño”, así que la adopté entre mis niñas (así las tengo bautizadas a todas).
Greta Garbo: Me encanta, y es que me gusta todo el misterio que ensuelve su vida, su bello perfil, sus ojos (que por mucho que pasen los años reflejan fuerza). Como Marlene Dietrich, pero Marlene no se retiró, y por muy mayor que se hiciera, su talento y glamour continuaban vivos. Debió de ser una mujer súper interesante de conocer.
Betty Davis: Sus ojazos, sin dudarlo.

-¿Cuales son tus proximos proyectos?

Estoy en espera de alguna exposición.

Para conocer con mayor amplitud su obra podeis visitar:
Web oficial de Marta Corcho.
Blog Retazos de Glamour.
Estudio de diseño Equilibriografico.

hermano lobo en internet (contra franco estabamos mejor)


Contra Franco estábamos mejor. Esa frase, acuñada por el periodista y escritor Manuel Vázquez Montalbán, vendría a cumplir la descripción de cierto desarraigo de una parte de la intelectualidad española ante el desmantelamiento del régimen franquista. Los sectores críticos, la izquierda intelectual y las facciones culturales de clara oposición al régimen, fueron desperdigándose en los primeros años de la Transición Democrática. La frase alude, con tono algo nostálgico, a la resistencia antifranquista en términos de un pasado intelectual y políticamente cohesionado. Algunas de las revistas que con mayor énfasis y rigor habían trabajado para reconstruir un discurso democrático en plena dictadura, iban a desaparecer precisamente ya instalada la democracia en España. Es el caso de la revista Triunfo [1962], que pasó por un calvario editorial durante la Transición hasta que desapareció en 1982; Cuadernos para el Diálogo [1963], que dejaría de publicarse en 1976 como revista mensual de ensayo y en 1978 como semanario de información general; Ajo Blanco [1974], que terminaría su primera y más viva época en 1980 aún cuando se volvió a editar entre 1987 y 1999. Etcétera.

Otras revistas propiciaron reductos igual de válidos en un mundo grisáceo y falto de expectativas de libertad socio-política. Las revistas de humor también cumplieron esa misma tarea desde otra vertiente, la de la impostura gráfica, ladeando censuras y cierres editoriales [cuestiones que hoy siguen de actualidad, por cierto, ante el procesamiento de una portada de la revista El jueves]. Es por ello un gran acontecimiento cultural e intelectual poder disfrutar en internet de una revista de la calidad de Hermano Lobo [1972-1976], donde colaboraron dibujantes de la talla de Forges, Chumy Chumez, Manuel Summers, Gila o Perich, y escritores como Manuel Vicent, Francisco Umbral, o Luis Carandell. Pasen y disfruten.

Hermano Lobo.

martes, 25 de septiembre de 2007

travoltas


[Pinchar en el interior de la imagen para ampliarla]

Si discográficas como Motown y Stax Records perfeccionaron y popularizaron los estilos del soul hasta hacerlos desembocar en un discurso reivindicativo y político, el sonido filadelfia actúo de nexo entre el soul de letras fáciles y su continuidad musical en el funk y las nuevas tonalidades de la música disco. La película Fiebre del sábado noche [Saturday Night Fever, 1977], basada en un artículo de Nick Cohn publicado en el New York Magazine en 1976 [Tribal rites of the new saturday night], masificó un modelo de conducta juvenil relacionado con tales músicas, la noche, el baile y el hedonismo, marcando el inicio de una nueva cultura ritual. El travoltismo ha fructificado de modos muy diversos [desde el macarra al hortera de pista de baile, pasando por todas las camisas de cuello levantado por encima de la chaqueta], y casi que podría hacerse toda una tipología social a través de la película. Este año se cumplen 30 años de su estreno, pero habrá que decir que no importan tanto las cualidades del film como su repercusión social y su capacidad, propia del cinematógrafo desde el nacimiento del star system, para generar pautas sociales. Lo mismo ocurriría con otra película travoltista, Grease [1978], de la cual hablaremos ampliamente en otro post para certificar que sus mayores logros radican en la ironización y sátira de las películas de ambiente juvenil de los años 50 y 60 y su manifiesta crítica a los estereotipos sociales de la juventud norteamericana, así como en una banda sonora magnificamente ponderada por la trama narrativa.

De momento, aporto un artículo que el periodista Alvaro Feito publicó en las páginas de la revista Triunfo en 1979 bajo el título de Punks contra Travoltas [No. 866, 01-09-1979], donde se hace un repaso de los estilos que fueron apareciendo con la eclosión de la musica disco a mediados de los 70 y otros tantos que competían por el liderazgo comercial en la captación de los sectores adolescentes y juveniles de la época.

Cadillacs, pontiacs y otros sueños de la sociedad del bienestar


Viendo todo el catálogo de coches que empezó a salir de la cadena de montaje a partir de la década de los 40 uno podría pensar que la clase media ya sólo buscaba esa satisfacción que la uniría hasta nuestros días a la sociedad de consumo. Consumo y felicidad son, desde entonces, dos categorías sociales inseparables. Esa es al menos la parafernalia que vende la mercadotecnia y la publicidad para aglutinar poblaciones en torno a un producto.

Buscando información para documentar el estilo del dibujante valenciano Daniel Torres, llego a esta página dedicada a publicidades, catálogos e ilustraciones de coches del siglo XX: The old car manual project, con una amplio repertorio en carrocerías de los años 40, 50 y 60 que nos deja ver la evolución de sus diseños y acomodación al tiempo. Ver también Plan 59/cars, donde ya se puede apreciar en las ilustraciones de la época que el coche, artículo que todavía se surte de los simbolismo de la ostentación, iba a convertirse igualmente en una prolongación de la vida doméstica.

Via | El Reciklante

lunes, 24 de septiembre de 2007

ian curtis



[Joy Division en 1979, Manchester | Cartel de la película Control | Fotografias de Ian curtis]

Control [Anton Corbijn, 2007]. Ya estamos deseando ver la película que el fotógrafo y cineasta Anton Corbijn ha dedicado a la figura de Ian curtis, líder de Joy Division, seguramente uno de los grupos más significativos e influyentes de los años 80. Sin embargo, la esencia de su vida, pensamiento y actitudes ya está en las letras de sus canciones. Poesía pura, desenvuelta en metáforas que sintetizan una biografía malograda. Muchas de esas canciones expresan episodios particulares del recorrido vital de Ian Curtis traducidos al lenguaje poético, una vida que confronta el desequilibrio interior y el monólogo desesperado de quien ya no encuentra aquella parte en que el retorno podría rehacer de nuevo el consuelo. Quizá ese nihilismo es lo que le llevaría a acabar con su vida a los 24 años de edad. Sobra cualquier especulación al respecto. Sus canciones ya contienen el preámbulo de la autodestrucción; pero la poesía, aun cuando sólo muestra el lado más cruel de la primavera, regenera el mundo y lo hace comprensible. En Disorder, una de sus canciones más célebres y enigmáticas, lo vuelve a decir:

I've been waiting for a guide to come and take me by the hand
Could these sensations make me feel the pleasures of a normal man?
These sensations barely interest me for another day
I've got the spirit, lose the feeling, take the shock away

It's getting faster, moving faster now, it's getting out of hand
On the tenth floor, down the back stairs, it's a no man's land
Lights are flashing, cars are crashing, getting frequent now
I've got the spirit, lose the feeling, let it out somehow

What means to you, what means to me, and we will meet again
I'm watching you, I'm watching her, I'll take no pity from you friends
Who is right, who can tell, and who gives a damn right now
Until the spirit, new sensation takes hold, then you know
I've got the spirit, but lose the feeling.


[Fotografías de la película]

Web del fotógrafo y cineasta Anton Corbijn.

Información sobre Control.
Web oficial de Control.
Trailer de Control.

Webs dedicadas a Joy Division y Ian Curtis:
Joy Division Shadowplay
Joy Division Central
Incubation
The Joy Division Discography
New Wave Photos/Joy Division
Joy Division
Ian Curtis
Joy Division. A tribute to Ian Curtis 1956-1980

sábado, 22 de septiembre de 2007

desenfocados




[Alberto García Alix: Azafatas | Una mujer para Elvis, 2001 | La Gioconda, 1999 | Blanca Li, 1998]

No sólo el retrato es un rostro o un primer plano; se debe ir más lejos, descubrir hasta dónde se puede llegar. El cuerpo humano, por ejemplo, es una arquitectura, y debe saberse cómo realzarla, a través del encuadre, la luz, la velocidad, o el foco. Hasta el desenfoque funciona para hacer retrato: no existen normas.
Alberto García Alix

Post relacionado:
Alberto García Alix, una mirada poética sobre el asfalto

hiperrealismo, coches, ciudades, vidas

Dos pintores del hiperrealismo fotográfico de los años 70. Richard Estes y Robert Bechtle. Ambos centraron parte de su trabajo en plasmar el entorno urbano en documentos pictóricos definidos en los manuales de historia del arte por su gran neutralidad visual, un objetivismo radical que valoraba especialmente la descripción literal de la vida cotidiana. Mientras Estes realiza su tarea artística en la ciudad de Nueva York y acentúa el aspecto material de las cosas [escaparates, brillos, calles], Bechtle puede considerarse un cronista del sistema de vida de la clase media en el área metropolitana de San Francisco, captando momentos banales que de otra forma pasarían desapercibidos. La literalidad podría significarse a través de la reproducción fidedigna del detalle, sin embargo hay algo que no encaja con la realidad objetiva. En algunos casos, el fotorrealismo recarga el sistema de signos de esa realidad proporcionando otra dimensión al ámbito de la ciudad. Lo que la urbe exige es que se la interprete, por eso los escaparates y brillos de Richard Estes nunca podrían calificarse desde un realismo exacto. Esa es la paradoja.



[Richard Estes: Baby Doll Lounge, 1978 | Cafe Express, 1975 | Supreme Hardware, 1974]



[Robert Bechtle: Watsonville Olympia, 1977 | Agua Caliente Nova, 1975 | ’61 Pontiac, 1968 | Frisco Nova, 1979]

Hyperrealism.
Richard Estes en el Museo Thyssen.
Richard Estes.
Robert Bechtle.

viernes, 21 de septiembre de 2007

yeah yeah girls in paris vol.3


[Pinchar en el interior de la imagen para descargar antología]

YEAH YEAH GIRLS IN PARIS VOL. 3
1. Brigitte Bardot > L'appareil À Sous, 1962
2. Gillian Hills > Rentre sans moi (Leave me be)
3. Jacqueline Taieb > La Plus Belle Chanson 1967
4. karo > Un garçon en mini-jupe, 1967
5. Sylvie Vartan > Ne Le Decois Pas, 1962
6. Brigitte Bardot > Ne Me Laisse Pas L'aimer, 1964
7. Gillian Hills > Tu mens, 1963
8. Messieurs R. De Bordeaux Et D. Beretta > La Drogue
9. Uta > Baudelaire
10. Violaine > J'ai des Problèmes Décidément
11. Sylvie Vartan > Quand Un Amour Renait 1966
12. Clothilde > Saperlipopette, 1967
13. Christine Pilzer > Ils pataugent
14. Brigitte Bardot > Tu Veux Ou Tu Veux Pas, 1970
15. Clothilde > Fallait pas écraser la queue du chat, 1966
16. Jacqueline Taieb > On Roule A 160, 1968
17. Delphine > la fermeture éclair
18. Zouzou > Tu fais partie du passé
19. Brigitte Bardot > Un Jour Comme Un Autre,1964
20. Virginie Rodin > Commando spatial (Space patrol), 1966

[Proxima entrega: psicodelias ye-ye y sonidos derivados]

Nota > Podeis visitar el especial monográfico dedicado a la música Ye-Ye y revisar muchas canciones en el jukebox ye-ye.

jueves, 20 de septiembre de 2007

nueva figuracion madrileña: influencias en la época de lo grafico


[Guillermo Pérez Villata, Grupo de personas en un atrio o alegoría del arte y de la vida, o del presente y del futuro, 1975]

La reivindicación de la pintura que desde mediados de los 70 había empezado a imponerse como reacción a la crisis de las vanguardias tuvo en los años 80 la consolidación de un modelo ecléctico que confluiría en diferentes medios plásticos. Poco se ha hablado de la movida madrileña desde el punto de vista de lo visual, la formación de un arte figurativo que diversificaría sus influencias a través del cómic, la ilustración, el diseño y la propia pintura. Suele atribuirse a la música el mayor eje expresivo del cambio sociocultural de los años 80.

Es cierto que el pop otorgó una visibilidad generalizada a esos cambios volcados sobre las transformaciones en la identidad juvenil, sin embargo años antes de que aparecieran Kaka de Luxe y la nueva ola, la pintura ya había depositado una parte esencial del germen visual de los años 80. La nueva figuración madrileña influiría en algunas de las tramas del cómic que se habían decantado por un mayor experimentalismo, pero también en el auge del diseño gráfico y el trasbase de muchos dibujantes al campo de la pintura, originariamente instalados en el comic underground.

En ese contexto, la importancia de la organización de algunas exposiciones de arte dio crédito a una tendencia que venía forjándose desde principios de los 70 con pintores como Chema Cobo, Carlos Alcolea, Guillermo Pérez Villalta o Manuel Quejido, todos ellos pintores que recuperaban, cada cual a su modo, la influencia del pop, el realismo cotidiano, la figuración, la conexión con las realidades juveniles o cierto historicismo no exento de apropiaciones posmodenistas. El cuadro de Pérez Villalta, Grupo de personas en un atrio [1975, ver arriba], puede considerarse el manifiesto pictórico de esa tendencia en el arte, donde aparecían galeristas, pintores y críticos afines, tales como Luis Gordillo, Carlos Alcolea, Juan Antonio Aguirre, Luis Pérez Mínguez, Juan Manuel Bonet, Javier Utray, Herminio Molero, Mercedes Buades o Fernando Huici, entre otros.


[Carlos Alcolea: Schreber also escribe, 1976 | Juan Antonio Aguirre: Samarkanda, 1986]

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El campo del arte había iniciado una apuesta por su renovación en el ambiente del cambio cultural que estaba produciéndose en España y, por tanto, se impulsó un relevo generacional en la pintura que tendría su primera manifestación programática en la exposición 1980, realizada en 1979 por los críticos Juan Manuel Bonet y Quico Rivas como una manera de reafirmar el cambio de paradigma en el arte español. Esa misma recuperación pictoricista, centrada especialmente en la figuración, se reprodujo en otra exposición organizada por el Museo Municipal de Madrid en 1980, Madrid D. F., en la que participaron tanto pintores pertenecientes a la nueva figuración [Villalta, Alcolea, Juan Antonio Aguirre, etc.] como otros tanto que provenían de la abstracción reciclada de los 70 [Miguel Angel Campano, Adolf Schlosser, etc.]. Otra exposición de enorme relieve en el entorno de la pintura de los 80 sería Otras figuraciones [1981-1982], donde, además de incluir a Miquel Barceló como enclave paradigmático de las corrientes internacionales, se hacía un nuevo repaso del arte madrileño de los 70 como el recambio formal del informalismo de grupos como El Paso.

Todo ello influyó en algunos dibujantes que hicieron el tránsito del cómic a la pintura a principios de los años 80, estableciéndose un nuevo debate en torno a la legitimación de la pintura. La polémica se focalizó entre lo que era pintura y lo que no lo era. Si por un lado, el campo del arte [los pintores de la nueva figuración] no consideraba pintores a aquellos dibujantes e ilustradores que empezaban a trabajar sobre un espacio pictórico [Ceesepe, El Hortelano, Javier de Juan, etc.], por otro, su influencia fue decisiva para extender las interrelaciones entre cómic, ilustración y pintura, y, por correlación, la asimilación de un eclécticismo de lo gráfico que pondría en comunicación cualquier ambito de las artes, desde la música, el diseño o la incesante aportación de algunas revistas culturales.


[Carlos Alcolea: Autorretrato Moebius y su amigo, 1975 | Borrachos, 1979-1980]


[Guillermo Perez Villalta: Interior madrileño, 1978 | Las noches de Torremolinos, 1975 |Mujer que se contempla, 1975] [Juan Antonio Aguirre: Retrato de Javier Utray, 1984]


[Carlos Alcolea: La reina del Partenón, 1975 | María Vela Veccellia, 1982]


[Chema Cobo: Mirando el tiempo pasar, 1982 | Manuel Quejido: Jo jo, 1973]

levitación y vacio


Hay fotografías que, sin pretenderlo, se convierten en presagio de nuevas formas artísticas. En ésta Yves Klein [1928-1962], artista pionero en la utilización del cuerpo como soporte creativo, salta al vacío en un intento de describir la esencia inmaterial del arte. Su título, obsesión de la levitación [¡Le peintre de l'espace se jette dans levide! Obsession de la lévitation, 1960], ya expresa parte de esa tesis, añadiendo, como había hecho en otras ocasiones, la relación entre lo corpóreo y el vacío. Sin embargo, el hecho en sí, el salto, nunca tuvo lugar. La fotografía fue más bién un fotomontaje realizado por el fotógrafo Harry Shunk en octubre de 1960, apareciendo publicada el 27 de noviembre de 1960 en Dimanche-Le Journal d'un seul jour, periódico escrito y diseñado por el propio Yves Klein. Una nota acompañaba la ilustración: "¡Un hombre en el espacio! ¡El pintor del espacio se tira al vació!". A pesar de que Klein nunca realizó esa acción, el documento influyo en el Body Art de los años 60, en el Accionismo vienés [movimiento artístico que trabajaba sobre el cuerpo de modo radical] y todo el happenning corporal posterior.

Nota > Hacía mucho que no veía esta imagen, y al verla de nuevo en el blog El beso de los Ausentes recordé que hay fotografías que no merecen ser explicadas. Contemplarlas ya forma parte de la clave de su misterio.

sábado, 15 de septiembre de 2007

multiculturalidad, diferencia y tardocapitalismo


[Peter Beard, Africa memories, 1965, 1968, 1972, 2006]

No es por joder a los seguidores de la New Age
y demás milongas de mercadillo alternativo,
pero lo cierto es que la multiculturalidad, el mestizaje y todas las bambalinas
vendidas como un fular recién llegado de Senegal
es uno de los grandes inventos de la mercadotecnia corporativa.
Occidente rastrea avalorios del lejano Oriente o la cornisa africana
de la única manera que el tardocapitalismo es capaz
de importar la cultura,
occidentalizándolo, convirtiéndolo al cristianismo, haciéndolo asequible
a nuestros ojos, a nuestros oidos, al monedero,
si con ello puede expresar su poderío rampante
y obsequiar a las tribus urbanas con nuevas mercancías de coolhunter
y añadir al consumo nuevas poblaciones
potenciales.

Lo que el tardocapitalismo [y la globalización] entiende por diferencia cultural
suele coincidir con la expresión del valor monetario y artístico que se le da
a esas otras culturas en el mercado,
pero nunca por su valor propio, o sea, como cultura originaria
con unas referencias distintas
que la cultura de Occidente, en la mayoria de los casos,
no podría asumir como propias, identificarse con ellas.

El multiculturalismo tiene el doble fondo de buscar lo diferente para igualarlo.
La sociedad capitalista necesita saber que todo pasa por su filtro
aun cuando se trate de la música del Congo
o el tam-tam de los Masai,
pero cuando llega a nuestros oidos ya se ha transformado en otra cosa,
un híbrido
dispuesto para el consumo generalizado,
y cuando piensa en términos de mestizaje
es porque aquello que el producto muestra
son los signos de esas culturas
interpretados
y tamizados por el mercado cultural capitalista. Occidente,
el ombligo del universo.


Y de paso traigo a colación a uno de los fotógrafos que más admiro, Peter Beard. Viajero y aventurero, hacedor de itinerarios africanos y testigo de excepción del fin de un mundo al otro lado de Occidente. Retrató como nadie la Africa negra. Supo captar todo un continente sin mediaciones culturales, tan solo con una cámara.

viernes, 14 de septiembre de 2007

ciao manhattan! (pequeña galeria sedgwick)

Todas las ciudades requieren de mitologías, mitomanías y fetiches para formalizar una identidad posible. Todo aquello que las hace volubles y consistentes. Nueva York y su cinefila cimentada como un fenómeno urbano. Pero a este lado lo cinematográfico ha de significar que la metrópolis podría encontrar su modelo más apropiado en la pantalla. Realidad y ficción, casi como si debiera caminarse por la Gran Manzana con el ticket ya cortado. La Factoria Warhol, con todas sus starlettes manufacturadas en películas insufribles [las salas de arte y ensayo les dieron cierta solemnidad vanguardista] fue sobre todo una industria de mitologías y fetichismo pseudo-contracultural, la aplicación de la seriegrafía de las sopas Campbell a la creación de estrellas. Eddie Sedgwick, que ya de por sí poseía la aureola de los mitos, tuvo el infortunio de caer en las manos de uno de los personajes más egocéntricos de la historia del arte del siglo XX, Andy Warhol, pero habrá de reconocerse que sin él no hubiera alcanzado su status mitológico. La ciudad los crea y ella misma los devora. La ciudad moderna esconde los cadáveres de los maleantes y hace relucir sobre su cielo los devaneos de algunos dioses.

[Posts relacionados: Edie Sedgwick, Bob Dylan y Andy Warhol | Edie Sedgwick, la Factory y una canción de Dylan al fondo]



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lunes, 10 de septiembre de 2007

alberto garcia alix, una mirada poetica sobre el asfalto



La materia digital aplicada a la fotografía documental o periodística sólo ha aportado al hecho fotográfico un nuevo concepto de rapidez que adquiere su valor en la mercantilización del instante. En el mercado periodístico [hemos de llamarlo así ante el hecho de que la información ya sólo circula como un bien de producción monetaria] cualquier noticia tiene su imagen, centenares de fotografías que podrían ser sustituidas por otras tantas que esperan ser rescatadas de la memoria de un ordenador o un móbil. Sin embargo, ya sólo es posible hacer fotografía, en su sentido más auténtico, bajo el supuesto de alguien que ha decidido indagar en la realidad con otros ojos, una mirada distinta e intransferible, o ante el desarrollo de un tipo de ensayo fotográfico que marque la diferencia narrativa respecto a las miles de imágenes que se amontonan para ocupar un lugar en las páginas de los periódicos.

Los ojos de Alberto García Alix son los de aquellos personajes que retrata, y son los suyos dispuestos a darle el corte definitivo a la realidad. Es una certeza que está grabada a fuego en la retina de unos cuantos elegidos, fótografos inimitables, únicos, para recobrar la realidad en una imagen. Recobrarla para transformarla. Hoy, que cualquiera pude convertirse en fotógrafo y registrar los hechos periodísticos con una rapidez abrumadora, cada vez se hace más necesaria la mirada indivisible, aquella que no podría ser reproducida sino con una poética del sujeto. Recorro las fotografías de García Alix como si ya no fuera posible volver a la realidad ordinaria, porque su fotografía contiene esa poética y una narración de sí mismo volcada sobre su entorno.

¿Autobiografía? Nada podría ser autobiografiado, pues decidir hablar de nosotros mismos no es más que esa reinterpretación del pasado que busca sus correspondencias en la vivencia del presente. La autobiografía es la invención del yo tal como nos hubiera gustado poseerlo. García-Alix habla de sí mismo, pero relatando a sus personajes, sus ambientes, los instantes sobre los que ha colocado el ojo.



Sus imágenes de la década de los 80 perviven como la crónica urbana de una
época y esconden la historia de una marginalidad, entendida ésta como la vivencia extrema de un contexto y la relaciones que lo hacen posible. Su cámara rehuye lo obvio, subraya el acontecer de los rostros, se asoma a las esquinas. García Alix no teme nombrarse y decirse en el otro.

viernes, 7 de septiembre de 2007

hélice, los recortables de alaska



Hélice aparece a finales de 1982 para añadirse a la abundancia editorial de cómics de todo pelaje y condición. En esta ocasion, no dejaba de ser un fanzine editado con cierta voluntad de competir con revistas como Bésame Mucho o El Víbora aún cuando se acercaba más a la línea de publicaciones de los 70 como Nasti de Plasti. No tuvo suerte. Apenas salieron al mercado unos cuantos números, con trabajos muy irregulares y expuestos sin ningún orden estético. Un batiburrillo de viñetas que no dejó demasiada huella. Sin embargo, contiene cosas curiosas. Una entrevista muy ilustrativa al dibujante y pintor Ceesepe, una historieta que parodia a Marta y Lola Moriarty y a Borja Casani, creadores de la Galería Moriarty, espacio cultural que dio a conocer a dibujantes y pintores de la movida madrileña y a través del cual se crearía, ya a finales del 83, la mítica revista La Luna de Madrid. Y estos recortables de Alaska. Yo hubiera añadido a los Pegamoides al completo...

jueves, 6 de septiembre de 2007

spanish ye-ye


[Diseño: Javier Reguera. Pinchar en el interior para descargar antología]

SPANISH YE-YE
1. Adriangela > En tus brazos quiero olvidar
2. Ana Maria Parra > Las chicas de la Cruz Roja, 1963
3. Betina > Tu me dijiste adios
4. Blanca Aurora > Tú no eres ye-ye
5. Conchita Velasco > La chica ye-ye
6. Encarnita Polo > La balada del amanecer, 1963
7. Gelu > Down town
8. Gelu y los TNT > Me conformo
9. Gloria Benavides > Marionetas
10. Hermanas Serrano > Eres Diferente
11. Imelda Miller > Que alegre va Maria
12. Li Morante > Guateque
13. Luisita tenor > Yeh Yeh, 1965
14. Marisol > Tengo el corazon contento
15. Marta Baizan > Acabo de empezar
16. Mirla Castellanos > Tengo 17 Años
17. Pili y Mili > Un chico moderno
18. Rocio Durcal > Acompañame (Con Enrique Guzmán)
19. Shelly y la Nueva Generacion > Vestido azul

Chicas ye-ye en la España autárquica. Nunca sabremos si esa felicidad musical, retocada por los ritmos beat y la minifalda, le dieron al régimen la excusa perfecta para disimular las miserias de una posguerra todavía cercana.

[Seguiré añadiendo más gominolas-pop, pero no dejeis de echarle un vistazo al monográfico dedicado a la música ye-ye]

martes, 4 de septiembre de 2007

recorriendo la luna por la parte de atrás (II)

Aunque no sea posible hacer un registro completo de la riqueza visual de La Luna de Madrid con todos sus matices y variantes, hemos de resumir que ésta aboga por lo figurativo. Si en pintura los aspectos formales se orientan hacia un reconocimiento de la nueva figuración madrileña que se estaba produciendo desde mediados de los 70, en cómic la tendencia predominante sería la reivindicación de la línea clara aún cuando se presenten versiones más o menos alejadas de ella, influencias diversificadas o propuestas gráficas de carácter ecléctico. Hay que señalar en este sentido que La Luna mantendrá una comunicación directa con algunas revistas de cómic. Muchos de los dibujantes e ilustradores que habían publicado en ella lo harían (o lo estaban haciendo) en la revista Madriz: revista que ampliaba el concepto de cómic hacia terrenos experimentales y pictóricos. Lo mismo sucedería con la revista Cairo, máximo representante en España de la línea clara.




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