El mar no interrumpe nada. Sigue su propia mecánica, sin más objeción que la que podría amontonarse en los ojos. En uno de mis libros preferidos* la evocación del mar funciona también como un reconocimiento tácito de un estado de cultura prominente, rico en esfuerzo y voluntad, tantas veces dibujado en los mapas. El mar ni siquiera exige esgrimir una certeza duradera, pues el oleaje lo impide, y lo advierte cuando en la costa, en las desembocaduras, el agua se arremolina hacia una dirección que, desde lo humano, podría mostrase aún más incomprensible. No es fácil adivinar esa imagen, pero sucumbimos a su caudal. Todo el mundo intenta llegar hasta el mar.



* Al aproximarse al Mediterráneo, elegimos ante todo un punto de partida: una costa o una escena, un puerto o un suceso, un periplo o un cuento. Luego, ya no importa tanto de dónde hayamos salido, cuenta más hasta dónde hemos llegado, qué hemos visto y cómo lo hemos visto. A veces, todos los mares parecen iguales, sobre todo cuando la travesía es larga. A veces, cada mar es diferente.

Fragmento inicial de Predrag Matvejevic, Breviario Mediterráneo, Anagrama, 1991 (ed. original 1987)


miércoles, 28 de febrero de 2007

un mismo cielo, julien pacaud



De momento, oteamos el horizonte como si estuviéramos en uno de esos mundos ilustrados por Julien Pacaud. Un ilustrador, fotógrafo y diseñador gráfico de París que nos encanta. Al final, habitamos el mismo cielo.


artistas en teheran, il mio canto libero

Buscando información acerca de una posible intervención militar de EE.UU. sobre Irán, me encuentro por azar con la web de una galería-estudio de arte ubicado en Teherán. Parkingallery es un espacio de arte independiente fundado en 1998 como estudio de diseño. En 2002 empezó a funcionar como galería online para presentar y promocionar a nuevas generaciones de fotógrafos, diseñadores gráficos y artistas multimedia de origen iraní, promoviendo proyectos propios en diferentes disciplinas artísticas. La web ofrece un variado expositor de artistas. Aprovechando el tema, enlazo otros lugares (Rebell minds concept, 5th color, Saedmeshki, Farhad Fozouni). Y dos últimos enlaces: el reportaje que el fotógrafo Gilles Peres realizó en Irán en 1979-1980, Telex Iran y la perspectiva fotográfica de Paolo Woods sobre la sociedad iraní, Face of Iran.

martes, 27 de febrero de 2007

eugene smith, compromiso y humanismo



Eugene Smith, además de ser considerado como uno de los artífices del ensayo fotográfico, dotó a la fotografía de reportaje de un humanismo y compromiso difícil de igualar, en un entorno en el que la imagen periodística sólo reparaba en su contenido noticiable. Son los años 30, los años 40. Smith publica en Life el reportaje Country doctor (1948), una serie que retrata la vida de un médico de pueblo y sus vicisitudes cotianas para realizar su trabajo. De ahí a sus fotografías de Minamata (1971), la prolongación radical de sus compromisos le llevan a dedicar a los temas años enteros, economías inestables, crisis personales (Pittsburgh, Minamata). Hoy, que asistimos a la vacuidad de la imagen y nos hallamos sometidos a la especulación de los medios digitales, la vida y obra de Eugene Smith adquieren mayor valor, las cualidades de un compromiso.

Ver también: Eugene Smith Memorial Fund.

joe meek


Joe Meek, productor musical de los años 60, ideó para el pop un mundo posible con viajes lunares y efectos espaciales. Su sonido, un antecedente poco visitado de la psicodelia, el rock progresivo y otros pastiches melódicos, alcanzaría su expresión más reconocida con Telstar (1962) de The Tornados, pero en su bitácora de viaje ya había dejado un disco fundacional, I hear a new world (1959), en el que su atmósfera formaría parte de las melodías y los ecos sonoros se convertirían en una evocación de las obsesiones más personales del productor.

Joe Meek en Archive, con tracks de demos y canciones.
The Joe Meek Apreciation Society
es una web dedicada a mantener su legado musical.

lunes, 26 de febrero de 2007

el primer beso

El gran historiador Eric Hobsbawm determina el inicio de siglo XX con el transcurrir de la Iª Guerra Mundial. Yo, que soy más osado e indocumentado, lo colocaría con el primer beso de la historia del cine. Un brevísimo cortometraje titulado The May Irwin and John C. Rise Kiss, dirigido en 1986 por William Heise para la productora Edison Manufacturing Co.

Otros muchos besos del cine son más estimulantes que éste, pero si al terminar el XIX alguien ha decidido acercar la cámara al rostro, aislar las figuras del entorno y despojar al burgués de sus más preciados objetos externos en un plano con escasos propósitos de ostentación, es que algo ha cambiado. Es seguro que los grandes hechos políticos proporcionan una cronología y en sus acontecimientos se teje la trama de la historia. A veces los más minúsculos nos sirven para advertir las transformaciones en la mentalidad colectiva.

[…] Si me decido a interpretar la imagen no hago otra cosa que interpretarme a mí mismo, pues yo veía el referente, a parte de como un beso colocado con fragilidad en relación a la mano, como un continuo imaginario a través del cual era capaz de actualizar, poner en presente, mi experiencia de los besos. Las cualidades del tiempo, figuradas en la melancolía, sin duda involucran a la composición de la imagen, su textura, lo que parece admirarse en el grano (sombras, luces), en una rigurosa reconstrucción de un recuerdo. Y ello ha sucedido para mí desde un momento histórico que todavía considera el retrato una incripción global, sobria, de los cuerpos […] [Extracto de Abismarse. La fotografía, el fotograma, escrito por J. Reguera]

viernes, 23 de febrero de 2007

proyecto K: la vida imaginaria de franz kafka


Hay literaturas que merecerían ser esculpidas en los sueños. La de Franz Kafka alimenta esos rincones como la nube que desata la tormenta: con un sólo párrafo ya queda alojada toda la obra. No hay más que leer el comienzo de La metamorfosis para reparar en que estamos ante una tragedia onírica, tan real como la del hombre contemporáneo expuesto ante su soledad.

A pesar de llevar una vida enquistada entre la enfermedad, el desarraigo paterno y una oficina de seguros, kafka se nos presenta como el perseguidor de sus propios sueños. Pero la obra también alcanza su plenitud en algunos acontecimientos que el fotógrafo Paco Gómez (Madrid, 1971) ha trasladado a imágenes en una serie llamada Proyecto K. El argumento de esta serie fotográfica parte de la supuesta idea de que en 1924 un Kafka ya deshabilitado por la tuberculosis habría tomado la decisión, con la ayuda de su médico personal Robert klopstock, de intentar registrar sus sueños y pensamientos mediante placas eléctricas, como alternativa a las limitaciones que habría encontrado al intentar trasladar su universo onírico a la literatura. Paco Gómez juega con la ficción de su propio argumento y las posibles realidades de la obra de Kafka llevando los hechos biográficos del escritor más allá de sus límites. Esa escenografía también sustenta una verdad.

Una muestra de las fotografías del Proyecto K puede encontrarse en la web colectiva No-Photo, de la que es miembro Paco Gómez.

Además de la página ya enlazada en el post, Kafka posee una web detallada y rica en información: The Kafka Project.

jueves, 22 de febrero de 2007

costus, dos pintores en la corte madrileña


[Costus: Patria 1986 | La virgen de Africa, 1982]

Para llegar al asunto de una época, los Costus reinventaron la pintura de corte con la envoltura del kitsch y la modernidad. Desde sus cuadros podemos reconstruir el stabat mater de la movida madrileña, sus dolencias y hedonismos. De vivir en esos años, Velázquez habría hecho lo propio.

miércoles, 21 de febrero de 2007

francis bacon, el mobiliario del caos


La lectura de Walter Benjamin siempre instruye sobre aquellos vericuetos de la historia en que el sujeto se hace protagonista real de una contienda íntima con su contexto. Ayer lo releía (“El interior no es solo el universo, sino también el estuche del individuo particular. Habitar significa dejar huellas. En el interior, éstas se subrayan. Se inventan multitud de cubiertas, fundas, cajas y estuches en los que se imprimen las huellas de los objetos de uso más cotidiano. Las huellas del morador también se imprimen en el interior”, Paris, Capital del siglo XIX), y recordé mis años dublineses en que el afán por recorrer cada calle, sus pasajes y callejones, me hacían volver una y otra vez a un lugar al que nunca pude entrar, el cuarto donde el pintor Francis Bacon trabajó de 1961 hasta su muerte en 1992. El estudio original, ubicado en South Kensington, Londres, fue trasladado y reconstruido al milímetro en la Hugh Lane Gallery de Dublín por un equipo de arquéologos.

Su apertura al público se inició, si no recuerdo mal, a partir de 2001. Yo ya llevaba varios años viviendo en la ciudad, y poder inmiscuirme en ese pequeño universo de 30 metros cuadrados, un cuarto lleno de mercancías, revistas, fotografías, basuras, huellas, libros y toda una cantidad innumerable de objetos en los que Bacon había dejado su impronta, me hizo ver el mundo de otras maneras. Aunque la exhibición no permitía adentrarse entre sus cuatro paredes y había que contemplar todo aquel mobiliario a través de los escaparates que rodeaban la habitación, mis huellas de morador también se imprimieron en su interior. Al regresar a las calles, todo había cambiado.

martes, 20 de febrero de 2007

la mirada del delito, dolce & gabbana y las instituciones

Las manifestaciones de penuria cultural alcanzan al ojo cuando las instituciones se empeñan en hacernos ver en las fotografías, los cuadros o cualquier otro objeto del arte, lo que ellas han establecido como incorreción o delito. El delito, finalmente, termina por contagiarnos a todos a través de nuestra propia mirada expuesta bajo el designio de las representaciones que las instituciones van imponiendo. Hace tiempo que la crítica de arte (y literaria) sabe que la imagen ya no es representación; quien representa es el ojo, la mirada individual o colectiva que ha decidido darle una significación específica a esa imagen. Sin embargo, los poderes fácticos, o aquellos otros que tienden a acaparar un espacio de influencia socio-económico, hacen un uso arbitrario e interesado de esa máxima cuando determinan los límites de la corrección, lo que resulta apropiado al ojo o es susceptible de censura. En estos términos, no existe mayor obscenidad que la de aquellos que pretenden infundir en nuestros ojos la mirada del delito.

Esta vez ha sido el Observatorio del Instituto de la Mujer quien, bajo un criterio igual de arbitrario influenciado por el terrible problema (y lacra) de los malos tratos a la mujer, ha pedido la retirada de una fotografía de Dolce & Gabbana con el argumento de que la escena incita a la violencia y hace “admisible la utilización de la fuerza como un medio de imponerse sobre las mujeres”, denigrando su imagen (foto nº 1). Además de que tal interpretación es muy discutible y, en todo caso, debería estar expuesta a otras posibilidades y a su refutación, la cuestión deriva de una perspectiva según la cual el citado instituto intenta imponer sus conclusiones sobre esa imagen de una manera universal, alzándose con el patrimonio de lo que significa. El mismo fenómeno se produjo meses atrás en el Reino Unido con otra campaña de Dolce & Gabbana basada en cuadros del siglo XIX (foto nº 2) en la que, según sus detractores, se glorificaba la violencia. Podemos eliminar, así, toda la tradición pictórica de ese siglo centrada en los triunfalismos de la guerra, y con ello los destellos guerreros del futurismo, el surrealismo y su maquinaria erótica, las fotografías sexuales de Robert Mapplethorpe, el cine gore y un largo etcétera de obras que han puesto en duda, precisamente, la mirada institucional sobre las cosas del mundo.

lunes, 19 de febrero de 2007

una caida amateur sobre el asfalto

No quería resistirme a poner en palabras una de las películas de la historia del cine que más me han hecho pensar en las derivas del amor urbano. Al final de la escapada (Jean-Luc Godard, 1959) podría haber pasado como una película de serie B, pero el respaldo teórico de la revista Cahiers du Cinéma y el rótulo controvertido de Nouvelle Vague han hecho de ella una cinta modélica del cine francés y un esplendoroso homenaje al cine negro norteamericano. Para llegar a él, Godard ha optado por recoger todo el dietario del neorrealismo italiano y precedentes alemanes (Gente en domingo, de R. Siodmak, 1930) de un modo radical. La utilización de la cámara en decorados reales, el montaje libertario y los diálogos (naturalistas, espontáneos) de unos personajes que han decidido vagar eternamente, hacen del hecho fílmico, de su poética, un ejemplo de arte accidental.

El personaje que da cuerpo Jean Paul Belmondo es un ganster de medio pelo entresacado de un film noir que sigue su propia línea argumental sin mirar a dónde ni cómo. El nihilismo toma a veces la forma de una burla abnegada, pero su vagabundeo y, sobre todo, su relación con la femme (Jean Seberg) le colocan en la parte de aquellos héroes encantadores que han conmovido al espectador por un solo gesto. Al final, despues de ese ir y venir en fuga, aleatorio como el montaje, la escapada se convierte en errancia que se ha vuelto trágica a cualquier precio. Es la tragedia de una caída amateur sobre el asfalto urbano.

Fotografías de Jean Paul Belmondo y Jean Seberg en Al final de la escapada.

charlie parker, la generación beat y un cronopio llamado cortázar



Ningún músico moderno ha influido tanto en la literatura de la segunda mitad del siglo XX como Charlie Parker. El jazz evoca un ritmo vital, un estado de conciencia en perpetua improvisación que la generación Beat supo recoger al vuelo, en el mismo instante. Al otro lado de ese recorrido está Julio Cortázar, el cronopio bonaerense que un día decidió hacerse la panorámica más hermosa a las orillas del Sena: mirando al cielo. Su cuento El perseguidor traslada la sintonía del bebop parkersiano a la narrativa con la misma efervescencia con que Jack Kerouac dotaba a su vida de una banda sonora entresacada de un jukebox de motel. Tres enclaves culturales en los que la sinergia jazzística actúa como detonante de originalidad creativa y potencia para el arte. A fin de cuentas, las obras terminan por comunicarse.

sábado, 17 de febrero de 2007

groucho y harpo reinventan la filosofía

La carcajada, además de ser un gesto de participación social, es posiblemente el hecho cultural más revolucionario. A los cómicos del cine mudo no les hizo falta martillear al auditorio con chácharas y divagaciones para provocar la inflexión de la boca hasta desencajarla de sus músculos, pero con mayor estruendo llegaría a lo cómico la vertiente pura de la anarquía cuando Groucho Marx y su hermano Harpo decidieron colocarse a ambos lados de la risa para reivindicar lo que el cine mudo no había sabido proporcionar: una filosofía política disfrazada de vodevil. Si la cháchara de Groucho va dejando a su paso una nueva idea de lo políticamente incorrecto, los silencios de Harpo (a veces acompañados de una bocina que actúa como el único sonido posible de la conciencia) estimulan el intelecto y dan al traste con todas las convenciones sociales. Y es que la comicidad es un acto de provocación contra los poderes establecidos. Lo vemos en sus películas más famosas: Sopa de ganso, Una noche en la ópera…, las cuales siguen hoy poseyendo esa atmósfera de modernidad y rebeldía aún pasados setenta años. Si ambos ya ocupan un espacio de honor en la historia del cine, el mismo espacio deberían tener en los manuales de filosofía moderna.

Para completar con informaciones curiosas, divertidas y bibliófilas el ancho mundo de los Hermanos Marx podéis consultar: the marx brothers, night at the opera, marx brothers museum.

viernes, 16 de febrero de 2007

alfred Jarry, boris vian, una cancion de edith piaf y la patafísica

Ante tanto acontecimiento tecnológico que intenta regir el universo social, económico y climático, echo la vista atrás para descubrir a Alfred Jarry montando su teatro del mundo regido por detalles sin apenas importancia, un mundo casual construido de excepciones y azares más bien paródicos. Boris Vian pone sus soluciones imaginarias (El otoño en Pekín, La espuma de los días) y Edith Piaf deslumbra con acontecimientos melódicos sobre la ciudad de Paris. Estamos a finales de los años 40 (del siglo XX) y la Patafísica, movimiento cultural francés vinculado al surrealismo con referencias directas a Jarry, comienza a organizar un gallinero de ideas al margen de las más prestigiosas instituciones francesas. En realidad, el Colegio de Patafísica es el reverso paródico del College de France. París es la capital del mundo y todo un gentío de inventores de la palabra y la imagen (Raymond Queneau, Jacques Prevert, Eugene Ionesco, Boris Vian, Jean Dubuffet, Joan Miró, Rene Clair, Marcel Duchamp) construyen un vaso comunicante entre la realidad y el subconsciente. Todos esperan que Godot regrese antes de que acabe el siglo. ¿Seguiremos esperándolo cuando alcancemos los 60º centígrados a la sombra de un verano junto a un mar ya desértico?

jueves, 15 de febrero de 2007

arco 07

Hoy día 15 se inaugura Arco, la feria internacional de arte contemporáneo ubicada en Madrid. Este año, además de tener como país invitado a Corea, la feria promete novedades y la implantación de proyectos definitorios para su desarrollo en ediciones venideras. El perfil de tales proyectos parece volcarse en una estrategia de marketing que permita afianzar sus expectativas en el mercado del arte. Sin embargo, para el gran público las cualidades de Arco han venido definidas más por su covertura mediática que por la delimitación por parte de la propia feria de una identidad cultural concreta.

Esa es la historia de Arco: el intento perpetuo por definirse sin caer en el solipsismo. Si a comienzos de los años 80, la feria se va construyendo como un espacio artístico-cultural capaz de abrir vías más elásticas a las nuevas tendencias del arte español en un contexto sociopolítico todavía en transición, en los últimos años asistimos a sus intentos de conciliar un espacio de mercado orientado a coleccionistas e instituciones inversoras con un auditorio masivo ajeno a las veleidades monetarias del arte.

Lo que parece aún más sorprendente es que Arco no posea una página web propia donde definir sus propuestas y su política cultural, así como publicitar de manera pormenorizada sus contenidos, exposiciones, artistas relevantes y galerías participantes. Con ello, el espectador o el visitante interesado parece que ha de sumergirse en la feria sin referentes concretos de lo que se va a encontrar en su visita. Para suplir, en la medida de lo posible, este garrafal error por parte de los organizadores, enlazamos algunas vías para conocer lo que podrá contemplarse en Arco:


Algunas galerías coreanas invitadas a Arco: Arario Gallery, Galerie bhak, Gana art gallery, kukje gallery, Park ryu sook gallery.
Artistas españoles en Arco: Ximo Lizana, Dionisio Gonzalez. El stand del periódico ABC mostrará el trabajo fotográfico de Maider lopez.

martes, 13 de febrero de 2007

palpitaciones del dadaísmo

Todos llevamos alguna palpitación dadaísta en el corazón, pero ahora disponemos en internet de todo un arsenal de documentos referentes al movimiento Dadá gracias a la digitalización que ha llevado a cabo la Universidad de Iowa. Digital Dada Library consta de tres secciones: revistas, libros y autores. Es una buena oportunidad para repasar el periodo de entreguerras (del siglo XX) a través de un movimiento que se caracterizaría por la disidencia ideológica y el amotinamiento contra las instituciones culturales.

Algunas referencias del archivo:
Dada, revista editada por Tristan Tzara entre 1917-1921 (Zurich-París).
Litterature, revista editada por Louis Aragon, André Breton y Philippe Soupault entre 1919-1924 (París).
Maintenant, revista editada por Arthur Cravan entre 1912-1915 (París).
Cannibale, revista editada por Francis Picabia en 1920 (París).
Der Dada, revista editada por Raoul Hausmann, John Heartfield y George Grosz entre 1919-1920.
Der Stijl, revista editada por Theo von Doesburg entre 1917-1932.
Dada Almanach, editado por Richard Haulsenbeck en 1920 (Berlin).
Mit Pinsel und Scherel, pinturas e ilustraciones de George Grosz (1922, Berlín).
Otros autores dadaístas: Jean Arp, Erwin Blumenfeld, Marcel Duchamp (The Marcel Duchamp World Community), Mina Loy.

sábado, 10 de febrero de 2007

las vitrinas del musac



El Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y Leon (MUSAC), siguiendo con su buen hacer y una política cultural coherente y atractiva, ha iniciado el Proyecto vitrinas. En esta ocasión la exposición se centra en la selección de veinte libros de fotografía publicados en los últimos cinco años que formalizan una visión del mundo actual desde una valoración crítica y documental.

En palabras de los propios organizadores: “La publicación de la imagen fotográfica supone uno de los más importantes medios de reproducción, multiplicación y difusión de la fotografía, algo innato a la naturaleza de esta disciplina. Imagen fotográfica e imprenta han sido dos aliadas importantísimas y esenciales en la época contemporánea. Con la publicación se consigue una universalización de la creación artística, un espacio expositivo permanente y viajero, un objeto artístico de posible adquisición y, en este caso, un documento reflejo de la situación del mundo hoy“. No podemos estar más de acuerdo con tales planteamientos. Desde Así se fundó Carnaby Street apostamos por la integración de la fotografía como medio de expresión artística y mecanismo de conocimiento social en cualquiera de sus facetas y formas.

Los libros que integran la exposición recogen tendencias fotográficas diversas y un registro temático variado:
[añado, cuando sea posible, enlaces que puedan ilustrar dichas obras o el trabajo de los fotógrafos seleccionados]

Sze Tsung Leong, History images, Steidl, 2006
Simon Norfolk, Afganistán, Lunwerg, 2002
Fréderic Delangle, Ahmedabad, Fage, 2006
J. Medina, T. Mejías, R. Marchante, Mar cruel. 3 visiones de una tragedia, Centro Párraga, 2001
Geert Van Kesteren, Why mister, why?, Artimo, 2005
Richard Renaldi, Figure and ground, Aperture, 2006
Jonas Bendiksen, Satellites, Textuel, 2006
Alex S. Mclean, The Playbook, Textuel, 2006
Edward Burtynsky, China, Steidl, 2005
José Guerrero, Efímeros, Caja San Fernando, 2006
Martin Parr, Mexico, Aperture, 2006
Hans van der Meer, Terrains D’Europe. Paysages du football amateur, Steidl, 2006
Ambrosio Tezenas, Pekín. Teatro del pueblo, Lunwerg, 2006
Andrea Robins y Max Becher, The transportation of place, Aperture, 2006
Joel Meyerowitz, Aftermath: World Trade Center Archive, Phaidon, 2006
Massimo Vitali, Landscape and figures, Steidl, 2007
Lise Sarfati, The new life, Twin Palms, 2005
Stefan Ruiz, People, Chris Boot, 2006
Moises Saman, This is war: witness to man’s destruction, Charta, 2004

[La exposición, El mundo de hoy en 20 libros de fotografía, estará abierta hasta el 2 de mayo, 2007]

jueves, 8 de febrero de 2007

andres serrano


Fotógrafo de origen cubano-hondureño criado en Brooklyn, Andrés Serrano se hizo conocido internacionalmente en 1989 cuando el senador Jesse Helms denunció ante el gobierno de EE.UU. la exposición de su obra Piss Christ (1989). Desde sus comienzos, su fotografía se ha interesado en retratar las zonas ocultas de la realidad y los tabúes culturales de la sociedad contemporánea. Su mirada se ha detenido en el sexo, la religión, los mitos del poder ocultos detrás de sus uniformes y sus símbolos, la muerte o la pobreza, ilustrando siempre las grandes paradojas del ser humano. Sin embargo, el desarrollo conceptual de sus fotografías no resulta de un planteamiento moral. Serrano adopta un punto de vista crítico y polémico con la intención de provocar un acto reflexivo en el espectador. Sus series más conocidas (Bodily fluids, The morgue, A history of sex, The Klan y America) intentan dar una vuelta de tuerca a los estereotipos culturales proporcionando una interpretación, aunque descarnada, llena de momentos poéticos, un lirismo que desde luego no corresponde con lo que esperamos de una imagen de la belleza. Y es ahí donde radica la fuerza estética de las fotografías de Serrano.

Como seremos muchos los que no podremos acudir a su exposición de Barcelona, la red ofrece algunas páginas donde contemplar su obra:
Web de andrés serrano.
Un resumen de sus series fotográficas más importante en artium.
Obras sueltas en artnet.
Entrevista a Serrano a propósito de su serie The Klan en communityarts.

martes, 6 de febrero de 2007

dahr Jamail, una cultura de la información

A pesar del desarrollo tecnológico y la capacidad de los nuevos medios de comunicación digitales para transmitir información, vivimos un momento de precariedad informativa donde se han impuesto nuevos modelos de censura, imperceptibles porque sus mecanismos resultan de la combinación de una saturación de mensajes simplificados y la explotación de noticias intrascendentes.

No hay más que ver los noticiarios televisivos para darse cuenta de que la anemia (y desidia) informativa reproduce un modelo de vida ficticia. La gran mentira de los telediarios es ofrecer al espectador un mundo en el que los sucesos relevantes no tienen continuación temporal. El último ejemplo sigue siendo la guerra de Irak (y otras guerras).

Sin embargo, por debajo de las grandes multinacionales de noticias y las corporaciones que filtran aquello que es susceptible de ser noticia, todavía subyace una cultura de la información basada en el detalle, la descripción veraz de los acontecimientos y el compromiso con los propios hechos. Muchos fotógrafos, periodistas y corresponsales siguen esta máxima hasta sus últimas consecuencias. Es el caso de Dahr Jamail, un periodista norteamericano que desafía la cesura informativa desde el mismo interior de Irak. Desde su web-blog, Dahr Jamails Mideast Dispatches, lleva a cabo el relato de la guerra desde una perspectiva no-oficial, dando voz a las víctimas y dibujando el verdadero paisaje de una guerra omitida por los políticos y los periodistas “incrustados”.

Jamail despacha a diario temas que ilustran la vida cotidiana del pueblo irakí y la baja moral de las tropas de ocupación. La agencia de noticias Inter Press Service, The Nation, The Sunday Herald o Islam Online, utilizan su trabajo como fuente de información. Sus artículos se traducen al castellano, polaco, alemán, japonés, portugués y árabe, actuando al mismo tiempo como corresponsal de la radio Flash Points de California, y realizando informes para la BBC, ¡Democracy Now! y muchas otras emisoras de radio.

La página antiwar recoge el archivo de sus escritos.

En sucesivos posts dedicaremos un monográfico a los fotógrafos que con mayor sensibilidad e impacto han retratado la guerra de Irak.

lunes, 5 de febrero de 2007

cinco fotografos de moda (y una coda)

Evidentemente no son los únicos, pero la mirada que proyectan sobre el mundo de la moda va más allá de las poses prefabricadas con las que las revistas del género ilustran muchas de sus portadas. Son cinco fotógrafos que, cada uno con un estilo personal y único, han sabido reinterpretar los modelos culturales de la belleza de las últimas décadas.

Jean Francoise Lepage (1960) es un fotógrafo arriesgado e inconformista, con una visión estética personal. Ese inconformismo estético le ha llevado a modelar un mundo propio, extraño y contradictorio, donde sus modelos oscilan como materia interte. En ese deambular encontramos también la materia de los sueños y los deseos, la emoción de un enigma. Su paleta de colores (colores fríos, irreales) registra a la perfección ese universo, el cual ha puesto al servicio de las mejores revistas internacionales (Vogue, Elle, Dios…) e independientes (Next, Purple, It’s Rouge…).

Peter Lindberg (1944) ha sido considerado como un poeta del glamour. Ha centrado parte de su trabajo en la imagen de la mujer, sacándola de los estereotipos fabricados por el propio mundo de la moda. La utilización del blanco y negro ha marcado parte de ese recorrido, en el que la belleza era tan solo una excusa para describir la interioridad de una emoción. Lindbergh ha estado ligado con marcas como Armani, Prada, Calvin Klein, Jil Sander, Hugo Boss. Tiene en su haber una intensa tarea editorial en las revistas Vanity Fair, Stern, Rolling Stone, The New Yorker y las Vogue italiana, francesa e inglesa. Pero parte sustancial de su carrera se centra en Harper’s Bazaar, revista con la que tiene contrato desde 1992.

La fotografía de David Lachapelle (1969) se rige por parámetros esteticistas, llevándolos hasta sus últimas consecuencias en un intento de modelar un universo surrealista en el que los personajes que retrata buscan su acomodo más allá de lo que representan en sus vidas cotidianas. Su vinculación a la música le ha permitido, además de fotografíar numerosas portadas de discos para cantantes como Madonna o Elton John, iniciar una carrera como director de videos musicales. Su video para la canción Natural Blues de Moby (2000) fue galardonado como “Mejor Video del Año” en los MTV Europe Music Awards, gracias al voto popular de más de 7 millones de televidentes.

Eugenio Recuenco es uno de los fotógrafos más imaginativos de su generación. Su eclecticismo le ha llevado hacia un estilo pictórico y cinematográfico que recoge influencias de lo más diversas, desde el cine negro americano de los años 40 a las estéticas coloristas del pop art o las pinturas de rembrandt, pasando por la recreración de mundos imaginarios llenos de misterio. Ha realizado campañas publicitarias para Vogue, Custo Barcelona, Diesel, Chanel o Mango. En 2003, recibió el premio de fotografia ABC por su obra Concepción, Parto, Juego y Educación.

Alvaro Villarubia (1964) es uno de los fotógrafos españoles con mayor proyección internacional. Empezó su carrera en los años 80, en el contexto cultural de la movida madrileña. Desde entonces ha publicado retrato y producciones de moda para numerosas revistas españolas y extranjeras: Vanidad, Man Shangay, Paris Match o Vogue. Su página web fue galardonada en 2001 por la Asociación de Comunidades Gráficas de nueva York.

(Y UNA CODA)
La fotografía publicitaria o de moda ha terminado por contagiar sus credenciales estéticas a otros géneros fotográficos. Tradicionalmente, la fotografía de moda ha sido un lugar para la experimentación no sólo estética, sino tambien en relación a su atracción simbólica y a la recreación de una puesta en escena. Su capacidad creativa, colorista, incluso la determinación de acudir al humor o al surrealismo, ha influido especialmente en toda una nueva generación de fotoperiodistas dedicados al reportaje social. En muchos casos, el fotoperiodismo ha ensanchado los márgenes de la objetividad precisamente por una influencia directa de la imagen publicitaria. Esto no quiere decir que se hallan traspuesto las funciones de ambos géneros, pero de alguna manera una tendencia cada vez más activa en el fotoperiodismo ha consistido en llevar al límite la representación de la realidad bajo los focos de un realismo expuesto a la subjetividad absoluta.

domingo, 4 de febrero de 2007

guy debord, 1967-1968

Este año se cumple el 40 aniversario de la publicación de La sociedad del espectáculo (1967), un libro que influyó en las corrientes libertarias a partir de los acontecimientos del mayo francés, en 1968. Su autor, Guy Debord, fue uno de los fundadores de la Internacional situacionista, movimiento de vanguardia artística y política próximo al surrealismo cuya misión consistió en proporcionar una teoría revolucionaria a los movimientos que debían llevar esa revolución al ámbito de la vida cotidiana.

Partiendo del pensamiento de Marx, Lukács y Lefevbre, Debord reelabora el concepto de alienación en el contexto de lo que él mismo describe como la descomposición de la cultura y el debilitamiento de la personalidad bajo el capitalismo industrial y la sociedad de masas, sentando las bases para las teorías de la simulación (Baudrillard, Lipovetsky, Lyotard). Su influjo ha repercutido en disciplinas como la sociología crítica, los estudios de mass media y cultura, la filosofía o la historia.

Dentro de su actividad estética, la Internacional Situacionista hizo uso del reciclaje, el collage y la apropiación de productos culturales del capitalismo tardío (cómic, publicidad, grafiti, collage, textos, etc), reconvirtiéndolos para su propio beneficio. Parte de su producción podemos encontrarla en la red:

La producción literaria de La Internacional situacionista se halla agrupada en archivos situacionistas

Archivos de la Revista Internacional Situacionista

Rene Vienet sobre el mayo francés: Situacionistas en el movimiento de las ocupaciones

pagina dedicada a recoger todos los archivos, cronologías y protagonistas del movimiento: Situacionist International online

Semblanza de Guy Debord

 
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